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-----精选段落-----
上篇 世界艺术常识AGuidetoWorldArt
阿迪密斯神庙：神圣之地Temple of Artemis
必知理由
古希腊建筑艺术的杰出代表
类型：建筑
地点：古希腊
从希腊古神话可以知道，希腊人的信奉属泛神论。建筑神庙、祭祀诸神是其重要生活内容，神庙是群众集体活动的场所，自然而然地成为人们景仰的圣地。古希腊的建筑艺术在神庙建筑中体现得淋漓尽致。
充满神话色彩和宗教气氛的阿迪密斯神庙坐落在希腊的埃菲索斯喀斯特河口的平原上，被希腊人称为是“希腊的神奇”和“上帝的居所”。
阿迪密斯是古希腊的一位女神。直到公元4世纪末期，当地的埃菲索斯人仍然是她忠实的崇拜者。在圣窗上有她的塑像，塑像的技法是粗糙的，僵硬而呆板。在塑像的身上刻满了各种图画，有公牛、狮子、鹿，还有带翅膀的怪兽，其中有狮身人面的形状和半人半鸟的图像。学者认为这座神庙是古希腊精妙的艺术和东方精神的完美结合，是世界的共同拥有的一个来自神的馈赠。
目前，人们并没有清晰的关于神庙的架构的概念，只是通过发掘出来的残存物进行推测。从神庙的遗址上可以看到庙的支柱是经过雕琢的圆形基座，这在其他的庙宇建筑里是常见的，并不能说明它的特色。从神庙出土的钱币上，还可以看到平台的外延，距离很长，人们想象神庙一定是一个极大的、向外扩展的造型，以象征神的无限包容能力。尽管柱子的确切数目和它们各自的位置还存在疑问，但这种做法在萨莫斯神庙里已经存在。一些保存较好的钱币上的图案向我们显示了神庙的屋顶结构和山墙的设计。阿迪密斯的中央并没有顶，而是10根圆柱，在和中央相连的部分是由屋宇的结构支撑的，由于考古学家又发现了内殿区内有排水沟的迹象，证明了这座神庙是露天的，但有的专家从黏土制的屋顶砖和喷水头等方面出发，坚决说神庙的屋顶是存在的。
神庙建筑的神秘来自于遗物的难以存留和现代人们丰富的想象力，但真正神秘的是来自阿迪密斯的魅力。在发掘现场，最壮观的是成堆的塑像，是由金子、象牙或黏土制成的。我们无法想象在古罗马和古希腊，女神的神秘力量有多大，但神庙的非凡构造应属于那些具有重大作用的人，这是不是表明在古希腊女性依然像原始社会那样具有主导地位？
现在，人们依然崇拜着这位来自远古的女神。阿迪密斯以她的精神使神庙得以圣化，神庙也使女神的影响得到充分的扩大。
在古希腊，庙宇有双重功能，它一方面是宗教圣地，另一方面是战争和瘟疫的避难所。对于所有的逃难者来说，圣庙的遮风避雨是女神的最好的照顾，同时也是人们灵魂皈依的处所。据记载在6世纪，一个妙龄的少女遭受残忍的暴君毕达哥拉斯的追捕，逃往神庙，在绝望中悬梁自尽。再比如，波斯王耶克萨斯被希腊人打败，无路可走，为了保存自己的后代，将他的孩子送往阿迪密斯神庙。这座庙宇曾经承受了希腊和罗马人民经历的风风雨雨，它是历史的见证，是多难的人们的庇护所，在今天，它的建筑已经被毁灭了，甚至都无法想象出和恢复它的历史风貌，但它依然吸引了众多的朝拜者。阿迪密斯的多乳塑像和相似的塑像在今天还存在。考古学家和地质家一直没有停止对神庙的发掘和考查，从各种发现的古文物中探索神庙的遗留，重新绘出神庙的原样，是考古学家最大的愿望，因为阿迪密斯神庙是古希腊人灵魂的表达方式。尽管神庙和她的主人有着巨大的魔力，但神庙的建筑结构和女神的身份等具体情况并不清晰，这个建筑来自远古，也带来了难以解开的谜。
希腊神庙建筑特色
希腊的神庙是古希腊建筑中最具特色的代表，几乎每一座神庙都是多种建筑风格相融合的圆柱式建筑，主要材料都是取自当地的灰色石灰岩，这些神庙的外部一般都朴实无华，内部的装饰却十分精美，门廊一般都采用爱奥尼亚式圆柱，前殿和后殿都采用巴洛克式圆柱。主殿中则有一根科林斯式圆柱。这些看似相同的圆柱实际上都体现了古希腊每一个地方独具特色的建筑风格。
玛雅艺术Art of Maya
必知理由
印第安图腾艺术的源头
世界最著名的文化之一
类型：建筑、文字、绘画等
地点：今中北美洲部分地区
伴随着美洲新大陆的发现，一个奇妙的世界开始展现在欧洲人的面前，这就是印第安人的图腾艺术。直到今天，印第安人还保存着图腾信仰。可见，图腾艺术仍然是世界上鲜活的、有生命力的艺术。许多当代的艺术家都从印第安人那里获得灵感。玛雅艺术是印第安艺术的源头。
霍奇皮伊是代表春天、鲜花与歌唱的神。以玛雅人的轮回观来讲，他又与死亡密切相连。
玛雅文化是世界最著名的古代文化之一，是美洲印第安文化的摇篮，所覆盖的地域包括今天的墨西哥东南部的尤卡坦半岛、危地马拉的提卡、洪都拉斯西部的科潘、瓦萨克通以及伯利兹和萨尔瓦多部分地区，共约32.5万平方千米。瓦萨克通是已知的最古老的玛雅城市。
公元300～900年左右是玛雅文化的鼎盛时期。当时不仅出现了很多城邦，而且艺术也蓬勃发展。玛雅文化如同其他古文化一样，宗教占有十分重要的地位。举行盛大祭祀活动的庙宇建筑在作为祭坛的金字塔上，蔚为壮观。宗教活动是促进玛雅艺术发展的主要动力。总的说来，玛雅人无论在半身雕塑还是在浅浮雕方面，都取得了较高的成就；绘画为壁画，人物的刻画富有表现力；陶器和金属盘上也有绚丽的图画。
墨西哥西南部有一处著名的美洲古文化遗址，被称为奇镇·伊扎。考古专家在这里发现了大量古代托尔特克人的文化遗迹，其中最著名的是武士庙和天文观象台。武士庙建在一个较矮的金字塔上，顶部已经消失，只留下许多柱子，有“千柱群”之称。武士庙的入口处有一个典型的圆雕作品，被称为“恰克摩尔像”。恰克摩尔是托尔特克人崇拜的神，它的形象大量出现在托尔特克人的雕塑作品中。它的姿势非常奇怪，身体躺着，上身仰起，双膝向上，头转向一侧，肚子像一个容器。胸前有蝴蝶状装饰，样式固定，体现了托尔特克人对神的理解。
此外，托尔特克人还建立了自己的“图拉”，“图拉”是“中心都市”的意思，位于现在墨西哥城以北80千米的伊达尔戈州境内。在图拉，考古工作者发现了一处建在金字塔上的羽蛇神庙遗址。金字塔的顶部，通往托尔特克人信仰的羽蛇神的地方，有两排男性人像的石柱。这些石柱很奇特，人像被刻成羽蛇神的形象，头戴羽毛装饰，双手顺着身体放置，胸前有巨大的蝴蝶状的盔甲，背部有象征太阳的圆盘；右手执长矛，左手拿着箭和其他物品。据推测，这些石柱雕像由四部分衔接起来，涂有色彩，眼睛和嘴都是镶嵌的，表情严厉，有鲜明的武士风格，蕴藏着不可知的力量，体现出托尔特克艺术的特点。
玛雅艺术伴随着欧洲殖民者的进入而中断，现在只剩下了一些遗址，诉说着神秘而脆弱的历史。
提卡尔面积极广，延伸到墨西哥境内。提卡尔一号神庙高38米，正面梯坡度超70度。
拜占庭艺术的崛起Byzantine Art
必知理由
罗马帝国艺术的延续
东方艺术与古希腊艺术的完美融合
类型：建筑、绘画
地点：君士坦丁堡
时间：公元5世纪以后
拜占庭艺术是罗马帝国艺术的延续。公元395年，罗马帝国分裂成东、西两部分。拜占庭是东罗马帝国的中心，其首都君士坦丁堡即今天土耳其的伊斯坦布尔。而所谓拜占庭艺术，指的是从公元5世纪后，以君士坦丁堡为中心的艺术。
拜占庭艺术延续了1000年，这1000年中，君士坦丁堡一直是全世界最华丽、最富有的都市。在这里，各种华丽的装饰美化着君士坦丁堡：街道上装饰着喷泉和廊柱，中国的丝绸、非洲的珠宝、欧洲的雕刻、埃及法老的方尖碑、世界各地的香料、瓷器等，都可以在这里看到。
东罗马帝国政教合一，宗教和王权的意识十分强烈，在拜占庭，皇帝就是教会领袖，他不仅代表世俗的最高权力，也象征神的意志。所以，那时候的一切艺术既要为宗教服务，也要为王权服务。拜占庭艺术在形式上追求高贵、豪华，内容上强调神性。因为它处在西亚，一方面它沿袭了罗马帝国的艺术趣味，承袭早期基督教艺术的传统；一方面受到东方艺术的影响，注重色彩而不喜欢造型，喜欢装饰不喜欢写实。这样一来，拜占庭艺术兼有东西方的色彩，是东方和古希腊融合的基督教艺术。
拜占庭艺术的主要成就集中体现在建筑上，圣索菲亚大教堂是拜占庭建筑的代表作。罗马帝国分裂后，其建筑风格仍被拜占庭袭用，因此早期的拜占庭建筑，多数为罗马陵墓的圆形和多边形的平面结构形式，如万神殿的穹顶被用于拜占庭的教堂建筑的形制中。圣维塔尔教堂就是拜占庭建筑早期作品的典例。
圣索菲亚大教堂位于意大利腊文纳。公元6世纪时，腊文纳是东哥特王国的首都，国王为查士丁尼大帝。当他占领该城时，试图把腊文纳建成东罗马帝国的中心。而圣索菲亚教堂早在查士丁尼皇帝占领之前就动工修建，修建这座教堂的意义在于纪念腊文纳光复。教堂从公元526年开始兴建，到公元547年建成。
由于教会的束缚，拜占庭艺术的后期风格有些公式化、概念化。许多作品为宣传基督教而作，这一宗旨体现在教堂建筑、圣像画、镶嵌画、壁画、细密画及工艺美术等各种艺术作品的创造上。这些艺术形式对中世纪欧洲各国，尤其是东正教国家的艺术有巨大影响。
比萨教堂的崛起Pisa Cathedral
必知理由
罗马风格建筑的代表作
比萨城的标志
类型：建筑
地点：意大利
时间：1063～1278年
罗马帝国分裂后，昔日强大的帝国不复存在，原帝国分裂成许多独立的城市自治共和国，有威尼斯、热那亚、比萨、路加、佛罗伦萨等，这些自治共和国是欧洲经济最繁荣的地方。城市里有市政厅、商场，也有富豪的府邸，这些成为城市里的主要建筑。而那时候修建教堂不单单是提供宗教活动的场所，更多的是为了纪念某个历史事件，就像罗马帝国建造凯旋门和纪功柱一样。
1062年，罗马人和阿拉伯人开战，最终罗马人打败了阿拉伯人，攻占了巴勒摩。比萨教堂就是为了纪念这件事而建造的。教堂规模非常大，除了主教堂，它还包括钟塔和洗礼堂。这些建筑是彼此独立的。主教堂从1063年开始建造，到1092年才完成。它是一个拉丁十字式的建筑，也被称为巴西利卡。主教堂全长95米，有四排柱子，侧廊使用了十字拱。它的正立面有32米高，有四层空券廊作装饰，这在当时是了不起的建筑。主教堂的整个外表用一排一排的连拱和菱形多彩大理石板嵌成，外观给人一种神圣华丽的感觉，体现了中世纪意大利教堂建筑的风格。
钟塔的建筑要比主教堂晚了100多年，于1174年建造。它位于主教堂圣坛的东南方向20多米，呈圆形，直径约16米，高55米，分为8层。大概是因为地基存在问题，这座钟塔经过几个世纪的沉降开始倾斜，让人感到恐惧。这就是有名的比萨斜塔。幸运的是，现代工程师在稳固这座斜塔的工作获得了成功，使它没有倾斜到塌倒的地步。在比萨斜塔所发生的最著名的事件，就是伽利略验证两个铁球同时落地。
比萨主教堂共分5个殿，有4层凉廊，用18根大理石柱支撑，正面有3扇大铜门。
洗礼堂比斜塔建筑的时间要早，于1153年建造，但是建成的时间较晚，时间为1278年。它也是一个圆形建筑，直径35米多一点儿，距离主教堂前大约60米，总高度有54米。当时，洗礼堂的顶部为锥形，但后来经过改修，顶部加了一些歌特式的风格，变成了圆形，也就是我们今天看到的样子。
教堂和修道院
教堂：基督教举行宗教仪式的建筑物。源于希腊文的Kryiakon，意思是王的居所。中国天主教称其为天主堂，中国新教则称其为礼拜堂。早期基督教会曾利用犹太教会堂或信徒家庭举行秘密集会，后者称为宅第教堂。4世纪基督教合法后，才开始兴建专门的教堂。最早的有代表性的是形成于4世纪上半叶的“巴西利卡”教堂。5世纪起，教堂的建筑风格先后出现了十字式、罗马式、哥特式、仿古希腊罗马式、斯拉夫式、巴洛克式、新哥特式等。
修道院：简称修院，源自拉丁文Seminarium（苗圃），是天主教培训神父的学院，又称神哲学院。修院作为培训神父的专门学院，始于16世纪的特兰脱公会议。修院分大修道院和小修道院两种。小修道院是大修道院的预科，主要补习高中课程、充实教会基础知识，同时进行初步的神修训练，因此小修道院又称备修院。大修道院是指培训神修人才的本科，学制为6年，课程有哲学、大学文史课、外语、圣经学、教会法、教会礼仪、神修学、教义学和伦理学等。修院除一般文化和神学专业知识课外，还规定有日常的宗教和神修功夫，以及进行牧灵实践的实习课程。
整座教堂坐落在比萨市的西北角，教堂所包含的不仅是单一的宗教意义，而且是战胜强敌的历史纪念物，所以它显得端庄、和谐、宁静。如今，它成了城市的标志，这与最初它作为胜利保护家园一样有意义。
11～12世纪，西欧国家出现了向古罗马建筑风格靠拢的教堂建筑，被称为“罗马风格建筑”，其最重要的特征之一是古罗马半圆形拱券的广泛应用。意大利比萨大教堂便是罗马风格建筑的代表作。
朝圣路上的圣塞南教堂Saint-Sernin Cathedral
必知理由
朝圣类型教堂的典范
呈现十字形布局
地点：法国图卢兹
时间：12世纪
中世纪是宗教崇拜最强烈的时代。那时候，不仅宗教的权威比君主大，而且教皇意味着一切。人们对宗教的崇拜也就表现在方方面面，其中最重要的是朝圣。
那时候，人们朝圣的目的不同，有的是治疗疾病，在一些人眼里，宗教不仅能解决精神上的病痛，还能解决生老病死给人带来的痛苦；也有的人纯粹是宗教目的，国家要求一些犯人去朝圣，以期获得上帝的宽容，达到赎罪的目的。朝圣是一种团体旅行。那个时候人们还不能完全有旅行的机会，而至少他们可以到上帝去过的地方看看。在中世纪的时候，妇女也可以朝圣，这些人组成一个有向导的旅行团体，从他们的家乡出发，去耶路撒冷或者罗马，也有人去西班牙的圣地亚哥，这个西班牙北部的地方，被认为是使徒圣雅各的葬身地。
10世纪的时候，许多人梦想着能够穿越法国，抵达西班牙的西北部的圣地亚哥。12世纪，甚至有了一本关于去圣地亚哥的最好路线的旅行指南。这些都说明了圣雅各的葬身地的朝圣地位的上升。不过，这并不是一件好事情，随之而来的麻烦多了起来。每天路上的人都熙熙攘攘，这些人要水、要食物、要休息地，这些问题越来越凸现出来，因为这些人对这些物品的需求，严重影响到了所经之地的人们的日常生活。
12世纪30年代一名法国人用拉丁文写成，是现代旅行指南的原型。
圣塞南教堂就是在这样的背景下修建的。圣塞南教堂的地点在图卢兹，这里正好是法国通往圣地亚哥—德孔波斯特拉的一条主干道，它可以招待过往的朝圣者。教堂完全用桃红色的烧砖建造，这与图卢兹当地缺少石料有关系，教堂只在一些窗孔、门道、墙角和雕塑装饰上使用了石料。这座教堂的外观呈现十字形布局，一座高塔坐落在整座建筑的两轴的交点上。这种建筑风格有着很强烈的象征意味，它表示基督耶稣在十字架上的身体。大概从11世纪晚期，对这些有着象征意味的教堂建筑的理解开始形成，并且成为传统。这种教堂风格现在多称为朝圣路类型，圣塞南就是这类型教堂的典范。
中世纪的朝圣为教会带来了丰厚的收入，实际上，教皇的权威随着君主的上升而下降。朝圣意味着宗教圣地不再是高不可测的地方。人们把它当作圣地去朝圣，说明了这些地方变得自由了。教会允许人们去朝圣，说明教会的权威神秘的面纱被揭开。
世俗音乐与游吟诗人Secular Music And the Bard
必知理由
古代世界的未解之谜
充满传奇色彩
影响深远，流传广泛
类型：音乐
地点：法国南部到西班牙
时间：12世纪前后出现
从11世纪末到13世纪末，整整两个世纪时间，是欧洲著名的十字军东征时期。那个时候，欧洲各地的基督教徒为了夺得基督教的圣地，进攻耶路撒冷，发动了长期的战争。这场战争虎头蛇尾，但如同以往或以后的任何一场大规模的战争一样，它的影响渗透到了当时欧洲生活的各个方面，对文化的影响尤其巨大。战争的结束使人们从极端的宗教狂热中清醒过来，罗马教皇的权力逐渐衰弱，基督教一统天下的文化格局被打破，阿拉伯等东方文明被广泛吸纳，最终成就了文艺复兴。那还是一个骑士精神盛行的时代，生活豪华奢侈，艺术上追求骑士精神的浪漫主义作风等，音乐上的显著表现是出现了游吟诗人、游吟歌手和抒情歌手，这些歌者把音乐带入了世俗世界，成就了世俗音乐的发展。
游吟诗人最早出现在普罗旺斯，那是法国南部的一个地方，时间是12世纪前后。从法国南部到西班牙，一些有身份的贵族喜好诗歌和音乐，于是亲自吟诗、即兴作歌，遍访各地的王公和贵族的府邸，用简单的乐器伴奏来歌唱，这就是所谓的游吟诗人。他们不仅是诗人，还是作曲家，他们不再使用教会音乐里面所使用的拉丁语，而用他们自己的方言和民间音乐，他们的作品是音乐与诗歌相融合的产物。他们用亲切的语言，抒发的多半是对贵妇人的崇拜和爱恋，这就是它们受到欢迎的原因。
神圣的感情和纯洁的爱情的概念大概出自西班牙，这里的女诗人开创了歌颂历经磨难且忠贞不变的恋人的诗歌传统。法国和意大利作者继承这一主题。不久以后，遍及欧洲各地的抒情诗人歌颂那些因一种热烈却不可及的爱情而狂喜、激动的贵族。按这些作者的思维方式，真正的爱情可以与实际的婚姻毫无关系。这里复制的这幅插图就是选自这样的抒情诗集。
现在的资料所记载的最早的游吟诗人是阿昆廷公爵威廉九世，关于他的传说很多，这里只是简单地介绍一下。他是一个喜爱民间音乐的贵族，而且对作诗也很在行。他参加过十字军东征，但最后因为行为不检点而被教会驱逐，从此，神圣的基督教再也不能影响他追求自由的生活。这以后，他整天自由自在地骑着马到处巡游，去拜访各地的贵族，用当地的语言奥克语唱着情歌、牧歌、晨曲、小夜曲，这些富有浪漫主义色彩的生活，使他在贵族中很快获得名声。而且，他的这种自由色彩很浓的生活方式也很快传开，成为贵族们的时尚。
几乎在同一时期，法国的北部也突起了一批游吟歌手，他们大体与游吟诗人性质相同。他们演唱的内容更为宽阔，有情歌、叙事诗式的故事和对自然的赞美，也有宗教或道德方面的内容。他们有时携同雇佣的艺人，让这些民间艺人演唱他们所创作的诗歌，这叫作戒勒尔或明斯特勒尔。据说戒勒尔一词，就是从小丑转化而来的，而明斯特勒尔是大臣助手的意思。游吟诗人和抒情诗人多数都不精通音乐理论，有的甚至在乐理上是白痴。他们只是即兴演奏，炫耀丰富旋律，这对他们才是最重要的。
游吟诗人的影响越来越大，连王公也加入进去，最著名的是英国的狮心王查理。这个人的经历很奇特，本来他是法国阿昆廷公爵，因为继承关系做了英国国王。不过，这个可怜的家伙始终学不会英语。他也参加了十字军东征，不幸的是，在第三次东征的时候，他在归途被奥地利大公囚禁在城堡塔楼的地下室里。他有一个亲信，叫布龙德尔，也是一个游吟歌手，他唱着国王所作的歌曲，到处寻找自己的主人。一天，他来到奥地利，找了主人很久的他，几乎绝望了，他的歌声也就越忧伤。那是在一个城堡的附近，突然，他感觉城内有人和自己答对。噢，这正是自己的主人查理的歌声啊。于是，在布龙德尔的帮助下，查理国王终于被救了。
关于游吟诗人的故事很多，因为这些故事多半发生在王公贵族们的身上，所以流传的也很多。这些故事当然不乏传奇的色彩，但是，他们的歌声里开始传达了世俗的东西，开始了音乐世界的新乐音。
巴黎圣母院Notre Dame de Paris
必知理由
闻名于世的天主教堂之一
巴黎第一座哥特式建筑
开欧洲建筑史之先河，具有划时代的意义
类型：建筑
地点：法国巴黎
时间：1163～1345年
巴黎圣母院是一座世界著名的天主教教堂，坐落在法国巴黎市中心塞纳河中的斯德岛。这座教堂从1163年动工兴建，由教皇亚历山大和路易七世共同奠基，历时182年，于1345年竣工。巴黎圣母院是巴黎第一座哥特式建筑，开欧洲建筑史先河，在建筑史上具有划时代的意义。
哥特式教堂建筑
12世纪以后，教权与王权之间的斗争越来越激烈。所以，国王修筑新式的教堂，确立自己的权威，以此来摆脱教皇教会对自己的控制。于是，以法国为中心的哥特式建筑兴起，并且影响到了整个欧洲。
哥特式教堂建筑各有风格，外观造型各不相同，但是，因为处在一个时代，所以有许多相同的特征。从外型上看，它们追求体积和高度，这些都是过去的教堂所不能及的。比如，德国的科隆中厅高达48米；而乌尔姆市教堂的钟塔高达161米。在形体上，这些教堂建筑的动势十分强烈，轻灵的垂直线直贯全身。墙和塔都呈现出一种共同的特色，就是越往上划分越精细，装饰越多越玲珑。在教堂的顶上都有有锋利的、直刺苍穹的尖顶。频繁使用“尖”的造型，所有的券都是尖的，建筑的局部和细节上端也都是尖的，这使得整个教堂处处充满向上的冲力。哥特式教堂的整体风格所体现的就是高、直、尖这三种特征，这种建筑风格意味着城市的生机，代表一种新的精神，标志着新的审美趣味的到来。
哥特式就如它的名字一样，是反传统的、反罗马的，它野蛮、粗犷，同时奔放、灵巧，它汇集了一切上升的力量来体现教会的神圣精神，直升的线条、奇突的空间推移、色彩斑斓的彩色玻璃窗、各式各样轻巧玲珑的雕刻装饰，制造了宗教的神秘氛围。这些建筑不再是纯粹的宗教思想的体现，也不再是军事堡垒的象征，而是城市的文化标志，它们暗示了在最黑暗的中世纪设计者心中自由的表现。总的说来，哥特式建筑较罗马式的建筑，更接近生活和真实，它遍布欧洲，成为国际风格，因此也称国际哥特式风格。
巴黎圣母院长130米、宽48米，此建筑的最大特点是高而尖，尖塔高达90米，由竖直的线条构成，雄伟庄严。整座建筑被壁柱纵向分隔成了三大块，又被三条装饰带横向划成三部分。圣母院的正西立面有三个联成一排的大门，左门叫“圣母门”，门中柱上雕刻着圣母圣婴像；右门叫“圣安妮门”，圣安妮是圣母的母亲，门中柱上雕刻着5世纪时巴黎大主教圣马塞尔像；中门表现的是“最后的审判”，门中柱上的核心人物是耶稣，他正在“世界末日”这一天，宣判每个人的命运：一边是被推入地狱的罪人，一边是灵魂得救、升入天堂的骄子，这些雕刻十分精细传神。圣母院的尖塔很高，有直刺苍穹的感觉，尖拱、肋拱、飞壁犹如在天空里纵横。位于门洞上方的是“国王廊”，陈列了28尊以色列和犹太国历代国王的雕塑。1793年，法国大革命，一些极端分子将其误认为他们痛恨的法国国王的塑像而将它们捣毁。但是，热爱艺术的法国人民，当他们认识到自己的错误的时候，将雕像复原后放回原位。巴黎圣母院中间有三层窗子。第一层两边是尖拱形的窗子，雕刻着亚当和夏娃；中间一层是由37块玻璃组成的一扇直径为9米的圆形大窗子，建于1220～1225年，中央供奉着圣母圣婴，两边立着天使的塑像。第三层有许多美丽的栏杆，栏杆上雕刻着不同形象的魔鬼，据说都是根据著名的“希魅尔”雕刻的。最上面便是雨果《巴黎圣母院》中所描绘的两座钟楼，各高69米，由一条走廊把连接起来。南钟楼的巨钟重13吨；北钟楼有一幢387级的楼梯，可直接到达90米高的尖塔的塔尖。尖塔虽比钟楼高出21米，但从正面看去，高度却相同，由此可见建筑师的匠心。教堂的大厅可容纳9000人，是法国最大的教堂。
许多人知道巴黎圣母院，主要是受雨果《巴黎圣母院》的影响。这本书很早就被翻译成中文，在中国很有影响力。读过这本书的人，都不会忘记那个吉卜赛姑娘爱斯梅达，还有敲钟人卡西莫多，以及他们映衬出的善良与心灵美。巴黎圣母院虽然很古老，但依旧散发着魅力。雨果称它为“巨大石头的交响乐”。巴黎圣母院所在的斯德岛也是巴黎的诞生地，所以，更多的巴黎人喜欢称她为“巴黎最老的女人”。这一别致的称呼，既体现了巴黎人对自己的建筑与历史的热爱，也体现了巴黎人的幽默与煽情。
坎特伯雷主教堂Canterbury Cathedral
必知理由
英国最早的哥特式建筑
突显了中世纪英国教堂的显著特征
类型：建筑
地点：英国
时间：12世纪
伴随着哥特式建筑在欧洲大陆的风靡，哥特风格也开始影响到英国。1170～1240年这70年的教堂建筑，剑桥的艺术专家们称其为早期英国风格。而在这种风格中，出现最早的建筑是坎特伯雷主教堂。
这座建筑的经历很不平凡。1174年，工程还在进行中的时候，一场大火把最先的建筑都烧毁了，这对兢兢业业的建筑者来说是一场灾难。当时，有位叫森斯德·威廉的法国石匠，他决定开始一种新的内殿设计；当时，他监督工程建设。不过，好景不长，这项工作又因为一个偶然事故而中断了。当时，这位石匠正站在横梁上，准备用机器转动巨大的穹窿。突然，他脚下的横梁断了，他朝地上摔去。但是，这些都还不要紧，最要紧的是，他摔到地上后，15米高的穹窿顶上的石头和木料都纷纷落下，他就这样被这些石头和木料砸伤了。他再也不能监督这项工程了。这件事由当地一个编年史家坎特伯雷的一名修道士作了很生动的记录。在这位神职人员看来，这一定是神的报复或魔鬼所施加的怨恨所致，因为，除了森斯德·威廉之外，其他人都奇迹般地没有受到丝毫的损伤。
森斯德·威廉躺在床上，期待在医生的护理下尽快康复，回到工作岗位上。但是，不久他就意识到，他的想法是错误的，他的伤不能好转了。他不得不结束在英国的工作，渡海返回法国的老家。有关森斯德·威廉回去之后的情形没有记载。坎特伯雷主教堂的工程由一名优秀的石匠来主持。
欧洲宗教建筑样式
巴西利卡式——长方形厅堂式建筑。
集中型式——适合当作纪念或供个人膜拜。
罗马式——多见于修道院和教堂。
哥特式——主要见于天主教堂。
文艺复兴及后文艺复兴式——恢复巴西利卡式平面，圆拱取代尖拱。
折衷主义式——基于希腊、罗马、文艺复兴式建筑，风格单纯。
这第二位石匠就是英国的威廉。他们改变了方案，决定不再像以前那样建筑。最初设计将坎特伯雷建筑成四层的高度，设计师认为这样可以显示出教堂的高大来。现在，经过精心的研讨，通过了三层楼的内殿方案，而且考虑了水平的因素——强调设计中的水平因素多于垂直因素，是中世纪英国教堂的一个显著的特征。英国与欧洲大陆的地理位置关系使它在接受弥漫整个欧洲的哥特式建筑风格的时候，比欧洲大陆的国家要慢得多。而且，这个建筑风格一旦渡过海峡，来到这个独立的王国，马上就有了自己的特点，在欧洲的整体风格上呈现出自己的异域特色。正是这样，人们今天所看到的坎特伯雷主教堂，比法国流行的哥特式建筑更强调线条与装饰效果。这大概与英国人的审美趣味有关吧。
杰弗里·乔叟（1345～1400年）
被认为是英国第一位大诗人。约在1387年，乔叟着手《坎特伯雷故事集》的写作。此书收录了约30人的朝圣队伍在从伦敦前往坎特伯雷朝圣的路途中，为解旅途沉闷，大家轮番讲述的各色各样的故事。
《坎特伯雷故事集》中的人物：巴丝的妻子（Bath）
（Bell Harry Tower）建于1496年，用于悬置100多年前哈里捐赠的大钟。扇形的拱顶结构是14世纪末到16世纪初垂直式的英国哥特式建筑的典型风格。
主要看点
中世纪彩色玻璃窗
托马斯·贝克特圣殿原址
“黑太子”镀金铜像圣
夏特尔主教堂：哥特式百科全书Chartres Cathedral
必知理由
法国最早信奉圣母的教堂
哥特式建筑的百科全书
极具特色的彩色玻璃画
类型：建筑
地点：法国巴黎
时间：公元4世纪
夏特尔主教堂的历史很悠久，建造在4世纪，但是得名在9世纪。9世纪的时候，查理大帝的孙子，秃头查理，赠送了一件圣物给夏特尔主教堂，这件圣物就是传说中的圣母的“束腰外衣”，这件外衣是圣母玛利亚在基督降生的时候穿的。从此，夏特尔成为基督徒的朝圣地。这座教堂坐落在巴黎西南大约90千米的地方，是法国最早信奉圣母的教堂。
一场大火之后，夏特尔主教堂所剩无几。事情发生在1194年6月10日夜晚，大火在夏特尔城蔓延，大半座城市被摧毁，其中包括主教堂的宫殿和除西正面之外的其他部分。这件事触及到所有的宗教负责人。于是，一个紧急的教士会召开了，会议讨论修复的问题。这个讨论和以往对灾难的讨论不同，以往的讨论结果都是论证了神的报复或者魔鬼撒旦的破坏等。因为夏特尔所信奉的是圣母玛利亚，而玛利亚是慈祥的象征，所以，这次讨论的结果是神的恩赐。这为他们提供一个修建超越欧洲任何一座建筑的壮丽宏伟的新教堂的契机。那时候，夏特尔教堂所管辖的地区是法国最大、最富有的地区。那里有定期的大型集市，商业的繁荣程度几乎可以与巴黎相提并论。每年的集市在圣母的四个重要节日开市，这四个节日是圣烛节、圣母领报节、圣母升天节和耶稣诞生节。定期的集市在主教堂周围的街道和广场进行，它们都在主教堂教士会的许可和保护中。这些商业活动使主教堂获得了很多经济上的收益，这些收益是重建的重要的经济来源。
从中可见哥特式绚丽多彩的彩色玻璃窗。夏特尔主教堂的玻璃窗是这一时期的法国哥特式教堂中最杰出的。其他杰出的玻璃窗还有亚眠主教堂的横厅。
当然，仅仅这些收入还不够建设一座宏伟的大教堂。教会还接受了大量的捐助，这些捐助来自城镇的手工业者和商业行会。在今天的夏特尔教堂的东面，还保存有一个窗子，上面绘制了一个屠宰行会捐赠的图案。除了来自平民的捐赠，还有大型的拍卖会的收入。拍卖品都是传说中的圣物。但是，教堂并不是真的把这些圣物拍卖出去，而只是一种形式。这种形式是这样进行的：一件圣物拍卖之后，再由买主捐赠给教堂，使买主获得荣誉。当时，夏特尔的路易斯伯爵购买并赠送了圣安妮的头骨，圣安妮是圣母玛利亚的母亲。还有一些其他的捐献者，大都是王公贵族，如卡斯特尔王后；法国国王圣路易斯的母亲布兰奇，她安装了北交叉甬道正面的窗子；还有布立塔尼的德路克斯的彼得公爵，他安装了南交叉甬道的窗子，此外又捐赠了耳堂入口的雕刻品。有了这些经济物资来源，教堂的建筑工作得以顺利进行。
夏特尔主教堂是法国第一座纪念圣母的教堂，是哥特式建筑和中世纪文明相结合的辉煌成就，位于法国巴黎附近的夏特尔市。教堂主体呈十字形，西立面有两座高度达90余米，形制各具特色的尖塔。在西面、北面和南面的入口上方均有一个巨大的圆形玫瑰窗。教堂内有近2000幅精美绝伦的彩色玻璃画，描述了4000多个人物，堪称世界之最。
因为修建时间的原因，夏特尔主教堂几乎吸收了当时所有的哥特式风格，只要其他地方所能看到的哥特式风格，在这里都能看到。其中最著名的是它的彩色玻璃。在教堂南侧唱诗席一面的墙上，有最引人注目的彩色玻璃，它用18幅画面来衬托中间一幅贝依·弗里埃尔画的圣母画；其中，两侧各7幅，中间主图4幅，这些图画叙述了耶稣的事迹，有最后的晚餐、圣母领报等主题，合称为《耶稣传》。圣母头戴皇冠，目光端庄肃穆，色彩的对比强烈。富丽堂皇的大圣殿内的数十扇彩色玻璃窗是12世纪哥特式彩色玻璃画的杰出遗物。可惜的是，伟大的工匠的名字没有流传下来。
彩色玻璃窗
11世纪，彩色玻璃以蓝色为基调，其他颜色也只有9种，而且都浓重深暗，透光度并不是很好。随着玻璃制造业的发展，玻璃有红色，紫色，还有其他更富丽、明亮的颜色。到12世纪，玻璃的颜色达到21种之多。晴朗的天气里，阳光照到教堂的玻璃窗上，把教堂内部渲染得五彩缤纷、光彩夺目，给人一种上帝居住地般的梦幻景象。
晚期的哥特式建筑，都有闪烁着万紫千红的玻璃窗，洋溢着欢乐的情绪。13世纪前后，出现了玻璃镶嵌画，画面装饰性很强。14世纪时，装饰性逐渐减弱。到15世纪，改为直接在玻璃上绘画。
这一时期的法国哥特式教堂中，彩色玻璃画最杰出的是夏特尔主教堂、亚眠主教堂的横厅。
纳斯卡地画：巨画何人绘Nazca Lines
必知理由
古代世界的未解之谜
“世界第八大奇迹”
类型：不明
时间：今秘鲁西南部
纳斯卡地画被称为“世界第八大奇迹”，在纳斯卡高原荒凉的地面上雕刻这些风格独特的图案，充分展现了设计者的高超智慧。这些奇特的图案过于硕大，线条又极其简洁，以致人们在地面上都无法察觉到这是一幅幅巨画。
在1926年9月，两位考古学家爬上了位于秘鲁西南部的纳斯卡镇的岩石山。一位是秘鲁考古学家托雷比奥·梅嘉，另一位是美国考古学家阿尔弗雷德·克罗伯，他俩正打算去检查附近的一座墓地。当他们停下来正想休息一会儿的时候，往下看着平坦但布满石块的沙漠，突然注意到有很多又长又直的线一直延伸到地平线。两位学者当时认为这些线是某种灌溉系统，因此没有多想。
直到20世纪30年代，当商业飞行开始飞越这片沙漠的上空时，飞行员和乘客们都注意到沙漠上有更多类似的直线——多得超乎他们的预想。他们在空中可以看到数百条线，很多都是从中间的一个圆点向外辐射，它们中的一部分线条非常直并且有几英里长。也有些线条组成了一些图形，比如三角形、矩形、梯形、螺旋形以及一些动物的形状。人类学家安东尼·阿文尼曾经说过，这些图形看起来就像是刚刚结束的几何课所留下来的板书。
回到地面后，考古学家们仔细检查了这些线条和图形，结果发现线条的成因非常简单，就是把覆盖在沙漠上的小石子往旁边清理掉。原先覆盖在石子下面的是一层薄薄的沙子，因为边上的石子是黑色的，所以这样显得线条以及图形的边界很清晰。考古学家们同时也认识到，一旦图形形成，就会长时间保持这种形态：因为纳斯卡附近的沙漠极为干燥（每年降水量只有20毫米），无风，因此这些线条很可能已经有几百年甚至上千年的历史。实际上，在一些线条附近发现的陶器碎片显示，至少已经有2000年的历史了。
令科学家们感到疑惑不解的是，是什么原因引发了当时的创作者选择这么复杂而又困难的画布来画画呢？他们为什么要画这么大的图案，以至于在地面上根本看不出来呢？有些人认为，古代纳斯卡人可能已经学会借助某种原始的滑翔机或者热气球而飞行。或者，有些最著名的观点和解释就是，它们根本不是纳斯卡人所画的，而是出自外星人之手；那么根据这种观点来看，这些线就是宇宙飞船的跑道，而各种图形则是它们的降落点。
埃里克·冯·丹尼肯所写的《诸神的战车》是一本关于外星宇宙飞船理论的世界畅销书。它纯粹是一本科幻作品，主要依据是纳斯卡线图中的一小部分与现代机场存在表面上的相似，但是就像书中提出古代纳斯卡人可以飞行这一猜想一样，冯·丹尼肯的书至少还为我们提供了他对这个巨大而又神秘的图画的某种解释。
科学家们如何解释这些画在沙子上但仅能从空中才能辨认出的线条？
对纳斯卡线正式研究开始于1941年，当时美国历史学家保罗·科索科参观了这个沙漠。科索科也是通过抬头仰望天空的方式来探寻谜底。此时太阳正在落山，这激发了他的灵感，并且他突然意识到太阳正好落在一条长线的尽头。他愣了一会儿，很快就意识到这一天恰好是6月22日——也就是一年中白天最短的一天，还是太阳落山最靠近西北方向的一天。
“我们兴奋异常，马上意识到自己揭开了谜底。”科索科后来回忆说，“因为，毫无疑问的是，古纳斯卡人是为了标明冬至（南半球）而建造这条线的。如果我们的猜测是正确的，那么其他的标记也非常可能在某种意义上同天文学及古人们与天文学相关的活动有关联。”
科索科在他的正式研究工作开展之前，不得不离开纳斯卡沙漠，因此他便求助于玛利亚·里克。里克是秘鲁首都利马的一名出生在德国的数学教师。在1941年年底，里克发现另外12条线或者跟冬至节气有关，或者跟夏至节气有关。科斯克与里克于是便下了这么一个结论：纳斯卡沙漠是“世界上最大的天文学巨作”。在地平线上标注出关键的天文学点位，那么它就可以起到一个巨型日历的作用。
批评科斯克和里克学说的人认为，这么多线条延伸至不同的方向，其中有一些线条与太阳的升落相一致是很容易发生的巧合。需要一种更加系统化的方法来深入研究。
在1968年，杰拉德·霍金斯到了秘鲁，他就是来解决这一问题的。霍金斯看起来是最适合这项工作的。他更像是一名天文学家，而非是一位历史学家。他借助于计算机的辅助分析系统，对巨画上的准线进行了精确分析，确认这些遗迹曾经作为天文观测台。霍金斯最开始派一队观测队员乘坐飞机穿越沙漠，然后拍摄下一系列用于绘制线条和图像精准位置的照片。接着，他把沿着地平线的太阳、月亮和各种星星的位置坐标输入计算机，同时也把过去2000多年以来发生的一些细微变化当作参数输入。最终他从沙漠中的一个特定部分选出了186条线。
霍金斯发现186条线中有39条与天文学位置相匹配。听起来这很让人鼓舞，虽然有这么多的天文学位置可供选择，结果却让人很失望。预计只有19条线恰好与一些准线相匹配，其他匹配中实际上是“复制品”，因为其中的一条线在一个方向上指向冬至，而在另外一个方向上则指向夏至。另外，超过80%的线条延伸的方向毫无规律可循。
因此这位用天文学解释过英国巨石阵的权威人士，下结论说对于纳斯卡“计算机分析否认了星星—太阳—月亮的日历理论”。
在20世纪80年代初期，加拿大考古学家帕西斯·克拉克森收集到线条边上找到的陶器碎片，然后把它们与史前秘鲁的各种陶器作比较。她惊人的结论是：碎片中的一部分（尤其是那些在动物图案附近发现的那些）年代在公元前200年到公元后200年之间，而其他线条附近发现的碎片则是1000年以后的物品。
对于寻找这些线条秘密的人来说，非常具有戏剧性。如果这些图画和线条产生的年代是如此久远，如果它们在不同的历史时期被视作当时人们生产活动的组成部分，那么它们同样可能还担负着各种各样的目的。换句话说，这些线条有超过一种以上解释的可能。或者说，借用阿文尼的隐喻所讲的那样，这块黑板上面写的是不易擦掉的几何学板书，这不是一堂课就能写成的，而是很多堂几何课才完成的。
20世纪80年代后期，各种解释基本上都与水有关——这毫不意外，因为在沙漠中这是最紧缺的。人类学家乔安·雷哈德认为一些线条把灌溉系统中特定的点与宗教崇拜的地点联系起来，也许是某种生产的仪式。很多鸟型的图案也有了新的含义，尤其是当现代纳斯卡农民看到苍鹭、鹈鹕或者秃鹫就认为是即将下雨的征兆，也许这些鸟状及其他动物状的图形意味着祈雨。
另外两个人类学家，阿文尼和赫莱恩·希尔弗曼注意到这些线条和地理基准位置有某种关系。大部分线条延伸的方向等同于沙漠暴雨后水流方向；很多线条跟附近山谷中流水的方向相同。阿文尼和希尔弗曼不认为这些线曾用作灌溉——因为它们要想起到灌溉的作用，还是有些浅——但是他们同意雷哈德的看法，即在这些线条和水流之间存在某种仪式上的关联。
这幅地画非常形象地展现了巨猴的外貌特征，但在纳斯卡高原究竟是谁完成了如此巨大的工程，结论尚未肯定。
阿文尼与另外一名人类学家汤姆·祖德玛（古印加问题专家）组成了一个团队。印加人在西班牙人来到美洲大陆之前，统治了秘鲁的大部分地区。祖德玛认为印加的首都就在秘鲁南部的库斯科，而该城被设计为一个从太阳神庙为圆点向外辐射的网络。根据早期西班牙人的记录来看，对印加人来说这种辐射状的线条具有双重的意义：宗教和社会意义。祖德玛和阿文尼推断说纳斯卡沙漠中的类似线条也应当表明他们与印加人有着共同的宗教信仰。
另外一位人类学家加里·厄顿从现在居住在库斯科附近大山中的村民的生活习俗中寻找某些相似之处。厄顿描述了在某些节日期间，帕卡里奇坦伯的村民是如何在又长又窄的广场上举办卫生清扫仪式。对于厄顿而言，他认为古代纳斯卡人在沙漠的线条上举办类似的宗教仪式并不是很困难的事情。
与此同时，玛利亚·里克仍然居住在纳斯卡地区，不仅起着纳斯卡线专家的角色，还担任着它们的保护者。当冯·丹尼肯的小说把纳斯卡变成一个旅游胜地之后，里克开始拿出自己有限的资金雇佣保安进行保护。尽管她的年龄日渐变大，但是她仍然坐在轮椅上在沙漠地区不停地巡逻，如果认为旅游者会破坏这些线条的话，她就会开枪示警并把他们赶走。在纳斯卡地区，她是一位不折不扣的女英雄。
在20世纪90年代的早期，至少从一些研究者的角度来看，里克和她的姐姐里纳特·里克是过分警觉了。玛利亚·里克雇佣的保卫人员阻止了克拉克森和厄顿在沙漠里的研究工作，指责前者偷走了陶器碎片，并且认为厄顿有意地破坏这块平原。玛利亚·里克的批评者们一方面认可她的这种保护行为，另一方面又认为她在着力捍卫自己的天文学理论。
如果真的是这样的话，玛利亚·里克可能会从最新的天文学分析中得到一丝安慰，可惜她在1998年去世，享年95岁。这次最新的天文学分析是阿瓦尼和另外一名英国的天文学家克里夫·罗格斯进行的。就跟霍金斯一样，阿瓦尼和罗格斯也发现天体准线跟大多数的纳斯卡线没有什么关联。但是跟霍金斯不一样的是，他们推论说，因为这种准线的数量过多，因此不可能仅仅用巧合来解释。阿文尼也注意到科斯克的一些射线与太阳、月亮和星星的位置排成一条线，因此他得出结论说，天文学在纳斯卡线中确实起到了某种作用，虽然这种作用比科索科或者里克所猜想的要小的多。
冯·丹尼肯的读者们也毫无疑问地会为关于纳斯卡线最新的猜测而感到失望。这些理论相互重叠——包括天文学的、农业的和宗教的——并不能像某种单一的理论那样，能够清晰地予以解释。任何单一的、能够说明这些线条和图案的解释，都是不可能实现的。
时至今日，阿文尼、希尔弗曼、厄顿、祖德玛以及其他学者的发现，跟以往相比，有着很多的共同之处。他们中的每一个人都是从寻找纳斯卡人同秘鲁其他文明之间的联系开始着手的，不管这种文明是历史的还是现在的。它们中的每一种联系都可能会帮助我们解读纳斯卡线的意义。
纳斯卡线被称为“古代世界的一个奇迹”，因为它们是如此与众不同、非凡无比，以至于我们不能以常规的、对南美洲其他古迹那样来解释、理解它们。但是对于现代大部分考古学家、人类学家和历史学家们来说，纳斯卡线仍然无法解释：如果这些线想要被人们所理解，那么也许只有放在它们那个年代才行。
乔托与文艺复兴前期的绘画Giotto Di Bondone
必知理由
意大利绘画之父
现实主义画派的鼻祖
艺术家：乔托·迪·邦多纳
出生地：佛罗伦萨
生卒年：1266～1337年
乔托，意大利文艺复兴前期画家，生于佛罗伦萨的韦斯皮尼亚诺，卒于佛罗伦萨。
700多年前的一天，一位当时声誉颇高的佛罗伦萨画家正从罗马回来，他看到一名牧羊少年正在用树枝在地上画画。这位画家很好奇，就走近前去看。原来，这个相貌奇特的少年正在画一只羊，虽然是线条画，但线条流畅，形象生动。画家大为惊叹，他决定收这个少年为徒。这名少年就是乔托，画家为奇马布埃。乔托还吸收皮萨诺父子及罗马画家P.卡瓦利尼的优秀艺术。到14世纪初，乔托已成为意大利绘画大师。但丁在《神曲》中认为乔托的成就超过了奇马布埃。
乔托1305年开始创作的阿雷纳礼拜堂壁画被认为是最能全面显示他艺术成就的作品。乔托设计了礼拜堂的壁画。这座礼拜堂位于意大利北部帕多瓦城。他是商人E.斯克罗维尼为他放高利贷的父亲赎罪而修建的。
此外，乔托还参加了建筑设计，这使整座礼拜堂的结构和壁画搭配协调。礼拜堂是一个长方形厅堂，入口在西面，东侧是祭台，南北面墙绘满了壁画，南面墙开有小窗。这是座奉祀圣母的礼拜堂，因而壁画以圣母和基督生平为题材。南北墙面各上下3列，每列6幅，祭台两边各1幅，共38幅，为连环组画形式。西端入口处墙面绘制有《最后的审判》，东端祭台面还配有礼拜基督的画幅。
阿雷纳礼拜堂壁画完成之后，乔托的声誉更为远扬，各地王公贵族纷纷请他作画，在故乡佛罗伦萨尤受欢迎。遗憾的是，乔托在意大利各地的绘画皆已失传，现仅存于佛罗伦萨圣克罗切教堂中的巴尔迪及佩鲁齐两座礼拜堂中的壁画残片，但由于后人妄加修补，很难看出乔托真迹的气韵。
14世纪初，意大利艺术家试图糅合拜占庭僵化的美术风格，描绘更具立体感，更贴近真实的人像。乔托继承这些革新的做法，同时发扬光大，将哥特式刻板的圣像予以人格化，人物更具量感，画面开始出现空间感，以致大步迈向自然主义，成为全欧洲绘画核心的创造者。
乔托的艺术创作对14世纪意大利文艺复兴美术影响极大，在佛罗伦萨还形成了一个人数众多的乔托画派，延续了一个世纪之久。但是，这些人都没有超越乔托。乔托处于一个新旧交替的时代，他的作品重新点燃了人性之光，洋溢的激情，引发了绘画的文艺复兴，意大利文艺复兴美术三杰无不受到他的启示，在他开创的道路上执着地前进。
这幅画取材于《圣经·新约》：基督的门徒犹大为了得到30块银币，与官兵约定，他上去吻谁，谁就是基督。随后罗马士兵和法利赛人逮捕了基督。画面上基督及其门徒被高举着火把与棍棒的官兵团团围住。画面人物众多，但乔托把犹大向前吻基督这一戏剧性情景作为全画中心，并着重刻画这两个人物的精神状态。犹大裹着一件厚厚的斗篷，张着双臂拥抱基督。他那细小的眼睛充满了恐惧与紧张的神色；基督则沉着镇定，无所畏惧。
手抄本绘画Illuminated Manuscript
必知理由
当时比较新的艺术形式
向世人展示了后期哥特式艺术的追求
类型：绘画
地点：北欧
时间：14世纪以后
14世纪的北欧，已经很少有人请人制作巨幅的绘画。一种新的艺术形式开始走俏，这就是用鲜艳的色彩绘制手抄本插图。
现在所存的最有名的手抄本是扬·普塞尔绘制的《埃夫勒德·珍妮的时辰祈祷书》，创作的时间大概是1325～1328年，现在保存在纽约大都会艺术博物馆。书里用了“浮雕式灰色装饰画”风格，这些画除了局部有彩色装饰外，其余部分都用灰色的阴影画成，看上去有点像石像。这本书是一本经文小册子，与教堂等绘画的大格局所不同，不是为公众创作，而是为私人创作。埃夫勒德·珍妮是当时的一位王后，1325年，她与查理四世结婚。1328年，查理四世去世。其间被推测为手抄本的制作时间。
卷首插页的第二页上，描绘了两个分开的场景，一个在经文的上面，一个在经文的下面。在经文起首的字母中跪着的人像，许多学者认为就是珍妮王后本人，因为在她的脚下还有她的哈巴狗，这是贵族的象征。图的主体是圣母领报。下面的内容却非常奇怪，与宗教没有什么关系，描述的是世俗的中世纪游戏活动，这个游戏被称为“中间藏蛙”。游戏是这样进行的：表演者前后跳跃，去碰击撞他的人。插页上的表演者坐在垫子上，盘着腿，很像一只青蛙。这种装帧常常被称为手抄本的“底脚”。
那个时候所流传的手抄本绘画也不全是宗教的。有一部属于世俗的作品，叫《淑女传》，原著是意大利作家薄伽丘所写的著名妇女的传记，和他所写的男子的传记是姐妹篇。这个手抄本经常被复制。据记载，这本书最初的法文译本，是1403年送给法王查理五世的弟弟、菲利浦公爵的新年礼物。关于手抄本插图作者，现在仅仅知道他名为“加冕典礼大师”，而他的绘画本领似乎是跟荷兰人学来的。这个手抄本现在收藏在巴黎国家图书馆。
薄伽丘在书中叙述了古代著名的女人马希亚，马希亚是希腊古典时代的画家。这本书有个插图，就是关于这点的。插图中的马希亚正在照着镜子给自己画像。她坐在画架前的一个黄色的椅子上，画架上放着一块画板，画板上有她未完成的作品，不过已经可以看出画完的方整的脸和金色的头发。这个画家很注重打扮，她的左边有一张搁板桌，上面摆放着马希亚绘画时候使用的画笔、碟子以及各种色料。而马希亚本人则俯身于作品之上，双肩下垂，看起来非常可爱，体现了她作画时候的专心致志。
当时，手抄本还是贵族的专属。它们向世人展示了后期哥特式艺术的追求。
手抄本与书籍的传播
罗马帝国解体以后的几百年里，书籍的出版和出售在欧洲几乎不复存在。基督教僧侣和修女献身于文化事业才避免了书籍的完全消失。
宗教机构在6世纪致力于保存过去的知识。修道院建立了图书馆和阅览室。在阅览室里，僧侣将文献抄录到羊皮纸上。这就是手抄本的起源。学校的纷纷出现和大学的诞生以及纸的出现使阅读需求大增。14世纪出现了专业的抄写员。文化的复兴促进了手抄行业的繁荣。除了常见的宗教题材外，但丁、薄伽丘、乔叟的作品也被广泛传阅。直到15世纪中叶，由于印刷术的出现，书籍的供应问题才得以缓解。
原始文身探秘Primitive Tattoo
必知理由
代表人们的图腾崇拜及审美需求
类型：文身
地点：世界各地
时间：古代
早在人类蒙昧时期就产生了文身，作为一种十分古老的习俗，文身也曾盛行于世界各国，如澳大利亚的阿内特人、阿兰达人；新西兰的巴布亚人、毛利人；南美的海达人；南北美洲的印第安人；日本的阿伊努人；印度南部的图达人等，以至于古代的欧洲人，都盛行过文身习俗。中国包括汉族在内的大多数民族，如傣族、布朗族、高山族、黎族、基诺族等少数民族也都一度盛行文身。由于文身是用刀、针等尖锐的器物在身体的不同部位刻划出符号或花纹，并涂上颜色，使这些彩色饰纹成为永久性的，涂料又大多以黑色为主，如墨行文，所以称其为文身。
根据地区与民族的不同，古人文身的部位也各不相同，或局部，或全身，一般在面、胸、臂、背、腿、腹等处。由于各个民族在信仰、习俗、爱好等方面存在很大的差异，所以古人文身的图案也大相径庭，主要有鸟兽、树木、花草、星辰、龙蛇以及一些几何图形等。例如，澳洲的一些土著人的身上总是随时带着红、白、黄各种颜料，他们总是不时地在颊、胸、肩、腹等地方点上一些颜色。如果到了举行盛大的庆典时，他们就会把全身涂成五颜六色。北美温哥华的努特卡印第安人在节日里喜欢在脸上绘制出五花八门的图形，这些颜料都是印第安人用动物油脂配制而成的，有时还要撒上一些云母碎片，通过云母碎片的闪闪发光来渲染喜庆气氛。而中国古代南方崇拜龙神的民族，也总是把龙文在身上。更有意思的是，在文身的巴布亚人中，每个部落都有自己专用的独特图案，一旦发现别的部落的人抄袭了本部族的花纹，轻则引起两部落人们的口角纠纷，重则会发生械斗，有时甚至会发生战争。
许多研究过文身风俗的学者认为，远古人类的发式、服装以及其他各种装饰物的发展演变与原始时期的文身有着相当密切的联系，人类最早的服装很可能就是文身的附属物。但是，随着服装在人类社会中的逐渐推广，文身的习俗却在不断地消退。到现代文明社会，在那些大都市里，文身只是在某些神秘的社会团体中和各种戏剧杂耍表演以及爱自我表现的青年人中流行，不少人去文身也仅仅是出于好奇。然而，原始文身的那些充满神秘怪异色彩的线条和图案却一直吸引着现代的人们，而许多艺术家更是从中吸取了灵感，可见文身的影响之深，恐怕是一时难以消除的。
这尊公元前3000年用陶土制作的抽象塑像从宽大的臀部和略为突出的胸部可判断其为女性，浑身覆盖的雕刻花纹是原始文身的一种反映。
此外，不同的人在社会中的不同地位也能通过文身反映出来，如年轻的巴布亚人一般用红色文身并黥刺面部，用黑色绘身并加刺手臂、腿部或胸部的则是老年巴布亚人。在日本的阿伊努人中，社会地位高的人身上的花纹大而直，小而曲者则社会地位较低；而新西兰的毛利人也是社会地位越高面部黥文越复杂精细。加洛林群岛的土人甚至明确规定，只有贵族阶级才有权在手臂、背部、腿部上黥刺精美的花纹，非自由的人只能在手、足上刺一些简单的线条。
那么，原始人为什么如此酷爱文身呢？它代表的真正含义又是什么呢？
对此，人们的观点各不相同。有人推测可能是出于对祖先的崇拜或图腾崇拜。根据人类学现有的调查资料，在有关文身的实例中，把本部族的图腾绘制或纹刺到自己身上是一种最常见的文身。由于在原始人的心目中，本部族的图腾不是象征着最受崇敬的主神，就是象征着部落的祖先，所以他们认为身上文有或绘有这些图案能够得到神灵的帮助和保佑。据记载，居住在大洋洲托列斯海峡附近岛屿上的土著人每个人都从鼻尖到前额，再沿背脊到腰际画一条红线，象征着他们的图腾——儒艮。
不少研究原始文化的学者还认为，原始人文身只是出于人类爱美的天性，其他意义则是日后衍生出来的。的确，大多数的原始部落民族都认为，他们文在身上的花纹是最美丽的，而一旦缺少了这些花纹，人就会变得很丑。据资料显示，新西兰土著毛利人妇女到了成年以后都必须在下颌部、特别是嘴唇上纹出一条条的横线，因为她们认为红嘴唇是很难看的，如果红嘴唇的女人嫁给哪个男人为妻，就是这个男人最大的羞辱。当然，随着文明的进步和社会的发展，在近现代的原始部落中，人们文身完全可能同时出于宗教、文化或者爱美等多种不同的需要，因此把文身归结于某个原因来解释这些复杂的现象，那就未免过于简单了。
唐、宋、元、明各朝都盛行文身，不仅市井少年爱好此道，而且船户、工匠、农民、文士中也有很多文身者。据段成式的《酉阳杂俎》中记载，在唐代文身者所刺的花样品种繁多，包括山水、动物、亭院、花卉、沙门天王、古人诗句等等。一般来讲，文人学士多刺山水诗词以示风雅；尚武之人多刺龙蛇猛兽以增英武。宋代的绵体社就是一个文身者的组织，参加这个社团的人以邀请高明工匠进行文身和相互比赛、品评所刺花纹为乐。
也有的学者认为文身的另一个原因是出于某种巫术或宗教的目的。例如澳大利亚的土著人在出发打仗时会将全身绘红，为死者举行丧礼时全身绘白，以此求得天神的庇护。生活在澳大利亚中部的阿兰达部落人还在自己身上文上部落的图腾，再用山鹰的羽毛蘸上自己胳膊的血贴在那些图案四周，并且跳一种“图腾舞”以与神灵交流。澳大利亚土著部落几乎所有的巫师在作法时都要绘上花纹，否则会失去人们的信任，被认为他的法术不灵。
原始人为什么要文身呢？这些推测和分析似乎各有各的可信之处，但都不能最终回答这个问题。或许问题本没有一个确切的答案，因为有时候人的行为动机只是一念所致，连他自己都没有想清楚为什么要这样做就做了。如果是这样的话，我们对祖先们的行为如此费尽心思地研究和揣测似乎就有些可笑了。
金匠波提切利Sandro Botticelli
必知理由
佛罗伦萨画派的重要代表
为后世留下宝贵的艺术财富
艺术家：桑德罗·波提切利
出生地：佛罗伦萨
生卒年：1445～1510年
波提切利，文艺复兴初期佛罗伦萨画派的代表。
波提切利在佛罗伦萨出生。少年的时候是个十足的捣蛋鬼，成天在街头玩耍，对学业一点儿也提不起兴趣。看着这个没有前途的孩子，父亲很是恼火，就把他送到附近一家金银作坊里当学徒，希望他能够拜师学艺，当个不错的工匠。然而，这个少年很快就喜欢上了绘画。当时一个有名的画家收他做徒弟，并且让他进入自己的画室学习。渐渐地，他在绘画方面崭露头角，并且很快被银行家科西莫·美第奇所注意，成为他家族里最受器重的画师。
1469年，科西莫把权力交给了自己的孙子罗伦佐·美第奇，他喜欢豪华、享受的宫廷生活。他的宫廷里云集了许多诗人、画家、学者。这对波提切利影响很大。这个时期，他画了一生中最重要的画，名字叫《春》。这幅画描绘了维纳斯的生活场景。在神仙的世界里，她们过着幸福安乐的生活，还有丘比特的神箭，正要射中华美、贞淑、欢乐的女神。整幅画优美动人，让人感受到春天到来的气息。
绘画颜料
油画：诞生于文艺复兴初期，当时被视作一种“最美丽的发明”。它表现出平滑的性状，纹理与黏稠的黄油类似，干结的速度缓慢，可以创造出变化无穷的纹理和效果。
水彩：细腻而透明，适用于捕捉自然界色彩和光线极细微的变化。透明，明亮。
水粉：源于文艺复兴。不透明，干凝之后形成没有光泽的粉状表面。
丙烯：产生于20世纪四五十年代，优点是它的弹性、耐久性及抗老化性，干结速度很快。
波提切利不仅为美第奇家族作画，还为教会作画。1481年，他还应教皇的邀请，和几位画家一起到罗马，给西斯廷教堂作壁画。这个时期的绘画为他带来了荣誉，比如《摩西的少年时代》、《对科莱的惩罚》和《麻风病人的火化》。他在罗马的工作使他赚了不少钱，可他还是少年的时候的样子，开销很大，这对他后来的生活影响很大。
1492年，他的保护人罗伦佐死去，美第奇家族也被放逐。当时，修士萨瓦那罗拉主宰着佛罗伦萨。这个正义的修士，在宣传宗教教义的时候，数落了教皇们腐朽淫荡的生活、美第奇家族暴发户的行径以及富人们无所事事的状态。他简直在否定文艺复兴的一切。于是，不堪忍受的罗马教皇把他扔进了大火。为了纪念这位修士，波提切利画了一幅《诽谤》。
晚年的波提切利没有了大家族的庇护，自己又没有积累下钱财，孤苦伶仃，生活凄楚可怜。1510年，他在孤独中死去，葬在佛罗伦萨“全体圣徒”教堂的墓地里。
波提切利是文艺复兴时期的巨匠之一，他一生都是佛罗伦萨画家，他一直经营着声誉极高的绘画作坊。他先是受到罗马教皇的青睐，后来投奔美第奇家族门下，最后受到修道士萨瓦那罗拉的影响。波提切利去世后，其存在一度被人们忘记，人们再度给予他高评价，则是在19世纪后半叶。
此画描绘了维纳斯的生活场景。图中生活幸福安乐，丘比特的神箭正要射中女神。整幅画的优美动人，仿佛春天已来临。
波斯：艺术的花园Persia
必知理由
东方的艺术圣地
欧洲艺术的教师
影响范围广泛
地点：波斯
时间：15、16世纪
波斯曾是一个艺术的国度，然而，几百年之后，那些华美的宫殿变成了狮子、蜥蜴的栖息之地。波斯的艺术和它的文明一样，只有几百年，但就是这短短的几百年，使得波斯成为东方的艺术圣地也成为欧洲艺术的教师。
15、16世纪是波斯大融合的时代，民族混杂居住使艺术发展得相当快。波斯的首都伊斯法罕成为世界艺术中心，这里汇集了来自印度和亚美尼亚的艺术家，还有中国的工匠，他们不仅给波斯运去丝绸，还把瓷器的制造技术一起传到了这个花园式的国家。
在这个公元5世纪的银盘上，一位国王正在追逐一对奔逃的公羊，他的马蹄下已有两只死羊。浮雕中的图案是独立的部件加到背景上的，并通过覆以金箔的镶嵌细工使之更为显著。
波斯民族只看重艺术而不看重政权和宗教。他们为了艺术，可以改变自己的信仰。在过去的20个世纪里，他们创造了三次文明浪潮。他们按着自己的需要修改宗教教义，把征服他们的统治者变成他们的文化奴隶。只要统治者准许他们进行艺术创作，谁执政并不是他们关心的问题。1722年，阿富汗的大军攻破了伊斯法罕，波斯的首都迁往德黑兰。然而，他们依然坚持艺术创造，政权的改换，并没有伤害那些具有爱美天性的波斯人。
19世纪80年代被法国考古队发现。安放在宫殿入口处附近。有些专家把它们鉴定为波斯常备军不死队的成员。
波斯留下了宝贵的遗产。早在帝国时代，统治者从被征服民族征调劳动者和建筑材料，大量兴建宫室，装点都城。波斯的建筑融合了埃及、巴比伦、希腊各民族的艺术成就。大流士一世的新都波斯波利斯的宫殿，建筑在由巨石垒成的高台上，主体建筑为大王听政殿和百柱大厅。浮雕和壁画庄严肃穆，显示出了国王的尊严。波斯波利斯王宫正门上刻有薛西斯一世修建万国之门的铭文。艺术家创造了槌压的制作金片方式。这些艺术属于东方，但又有西方的特征。
《波斯王弓箭手》是波斯帝国时代留存下来的著名艺术品。弓箭手被绘制在釉面砖上。因为美索不达米亚平原上缺少石头，那里的建筑物均取材于晒干的土砖，然后在砖上上釉。砖上的弓箭手被称为“不朽者”，他们是国王的私人卫士。这些弓箭手像每尊高1.47米。苏萨大流士豪华的宫殿布满了一队队这样的弓箭手，每名弓箭手在细节上都各不相同。从远处看，相似的形象给人一种无穷无尽的、连续的运动感。它们神情平静而威严，服饰华丽，构成一曲歌颂波斯王的无声乐章。
欧洲的艺术受到波斯的影响很大，波斯的艺术传遍当时人类文明能够到达的所有地方，影响了全世界，无论是欧洲的教堂还是中亚的寺庙，都留下了波斯艺术的影子。
达·芬奇的艺术Leonardo Di Ser Piero Da Vinci
必知理由
文艺复兴时期意大利美术三杰之一
使科学知识与艺术想象相结合达到新的水平
艺术家：列奥纳多·迪·皮耶罗·达·芬奇
出生地：佛罗伦萨
生卒年：1452～1519年
列奥纳多·达·芬奇，1452年生于佛罗伦萨芬奇镇附近的安基亚诺村，1519年在法国安波斯城克鲁堡去世。他是欧洲文艺复兴最杰出的代表。他不仅是著名的艺术家，而且是伟大的科学家，知识渊博、多才多艺。恩格斯对他的评价很高，赞扬他“不仅是大画家，而且是大数学家、力学家和工程师”。
达·芬奇的父亲赛尔·比埃罗·达·芬奇是佛罗伦萨的公证人。达·芬奇是私生子。5岁时，他的生母被父亲遗弃，达·芬奇跟祖父在乡下生活。关于达·芬奇小时候的传说，最有名的是画蛋的故事。由于有绘画方面的天资，达·芬奇14岁就拜当时有名望的艺术家委罗基奥为师，到画室学画。这为他后来在艺术及科学方面的成就打下了良好的基础。
17岁时，达·芬奇和他的父亲搬到佛罗伦萨。在佛罗伦萨，他的绘画技术开始成熟，并且渐渐形成了自己的绘画理论。1473年创作的素描画《亚诺风景》使他在绘画领域崭露头角。随后，他的许多作品巩固了他在绘画领域的地位，如《受胎告知》、《基督受洗》、《圣哲罗姆》、《博士来朝》和《持花圣母》等。
达·芬奇曾投奔米兰大公洛多维柯·斯福尔查，在为这位大公工作的17年里，整个米兰宫廷都为达·芬奇倾倒，这不仅因为他是一个画家，还因为他是音乐家、工程师、舞蹈家、设计师等。
由于反对美第奇家族的统治，30岁的达·芬奇离开佛罗伦萨，投奔米兰大公洛多维柯·斯福尔查，为这位大公工作了17年。在米兰，整个宫廷都为达·芬奇倾倒，这不仅因为他是一个画家，还因为他是音乐家、工程师、舞蹈家、设计师等。达·芬奇有音乐天才，能歌善舞，演奏乐器也很拿手，谱曲也很有名。有一次，他应米兰公爵的邀请，作了精彩的竖琴表演。他还主持文艺演出活动，设计舞台背景和服装、道具。这段时间，达·芬奇创作了《岩间圣母》、《哺乳圣母》、《最后的晚餐》、《圣安妮》、《施洗约翰》和《自画像》等作品。其中，《最后的晚餐》是达·芬奇毕生创作中最负盛名之作。在众多同类题材的绘画中，这幅作品立体感很强，人物的表情也很传神。因此，此画虽为素描小作，但其艺术美、形式美丝毫不亚于达·芬奇的其他鸿篇巨制。
此外，达·芬奇的名画《蒙娜丽莎》以神秘的微笑而举世闻名，许多人第一次见到这幅画时，都会被她的笑容所征服。它代表了达·芬奇的最高艺术成就，是达·芬奇花了4年（1503～1506年）时间，苦心经营的传世杰作。
据说蒙娜丽莎是佛罗伦萨商人佐贡多的妻子，时年24岁。这幅肖像花费了达·芬奇的大量心血。所以，当他完成这幅肖像之后，不愿把它交给佐贡多或其他任何人。当他受到法国国王的邀请时，便带着这幅肖像离开意大利去了法国。达·芬奇在法国去世，也就把这幅传世的杰作《蒙娜丽莎》留给了法国的卢浮宫，成为法国人民为之骄傲的财富。
多个世纪以来，这幅杰作一直被谈论的是蒙娜丽莎那神秘的微笑，它似乎会随着观赏者的不同和观赏时间的不同而变化。有人说她的微笑“有时舒畅温柔，有时又显得严肃，有时略含哀伤，有时显出讥嘲和揶揄”。关于神秘的微笑，有下面一个故事：达·芬奇请了一位优秀的乐师在她旁边弹奏，以使这位高贵的妇人能像模特那样耐心平静地坐着。她眼中的神情似乎在告诉观赏者她正在倾听。把她那双美丽的手与她的脸联系起来欣赏，你就会觉得她的神情诚挚、轻松和坦然。她的右手轻轻地放在左手上，中指没有任何依托，显得很放松，一点儿的拘谨都没有，仿佛正伴随着音乐的节奏轻轻地打着拍子。背后的景色：山峰、道路、小桥、流水都梦幻般漂浮不定，蒙娜丽莎的思绪仿佛沉浸在梦的世界里。
达·芬奇的这幅画淋漓尽致地表现了达·芬奇奇特的烟雾般的迷幻笔法。他把人物丰富的内心世界和美丽的外表完美地结合，对眼角、嘴唇等表露感情的关键部位予以细致的刻画，使“神秘的微笑”达到妙不可言的境界。而且，许多人已经指出，这幅画的成功得力于画家力图使人物丰富的内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，所以对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑描摹进含义无穷的画家感受，具有一种神秘莫测的千古奇韵。那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。这神秘的微笑则使观赏者如坠云雾，只觉得妙不可言。这幅完美的人像实为人文主义关于人的崇高理想的光辉的体现。
1507年，达·芬奇回到了佛罗伦萨处理他父亲的遗产。几年之后，他又回到米兰。此后，他花了大部分时间在科学研究和工程规划上。1512年，达·芬奇离开了米兰去了罗马，在罗马他结识了米开朗琪罗和拉斐尔。这三个人后来成为意大利文艺复兴美术的代表人物。
1519年5月2日，达·芬奇逝世，被埋葬在一家修道院里。他的绘画精神和不朽的作品永远被后人景仰；他的绘画理论到现在还影响着绘画；他对自然和科学的爱好，帮助后人更好地理解他的艺术品。
振兴北欧文化的天才：丢勒Albrecht Dürer
必知理由
德国民族英雄
德国最伟大的艺术家
振兴北欧文化的天才
艺术家：阿尔布雷彻·丢勒
出生地：德国
生卒年：1471～1528年
丢勒是将意大利文艺复兴的形式和理论传播到欧洲北部的重要导师，也是北欧最伟大的一位画家。他一生虽然都居住在德国文化重镇之一的纽伦堡，但是他旅行的脚步遍及各地。他曾两度前往意大利，这对他的作品产生了很大的影响。丢勒不单是当时德国最有名的画家，也被誉为一流的版画家。他的版画在欧洲各地流传，具有国际声望。在德国人心目中，他不仅是一位杰出的画家，还被誉为民族英雄。
丢勒现存的作品当中，约有70幅油彩画、数百幅版画（木刻版画约300幅，铜版画100幅，另外还有为书本绘制的各类插画），此外还有运用当时的最新技术——蚀刻法所绘制的铜版画实验作品数件。同时，以水彩及多种媒体完成的素描，也留下了将近100幅，丢勒是率先使用水彩来作画的画家之一。
丢勒的水彩作品约有100幅，他是率先使用水彩作画的画家之一。
丢勒成就最高的是版画。他的版画展现了他卓越的技法，其阴影处理和质感之丰富，达到了与绘画相当的程度。尤为甚者，他的铜版画制作的复杂程度，超过了在他之前的任何一位版画家。1513年创作的《骑士、死亡与恶魔》与1526年的《伊拉斯莫的肖像》，显示了他的铜版画艺术达到登峰造极的境界。其中，《骑士、死亡与恶魔》的骑士在危难中毅然勇往直前，即使面对死神也无所动摇，显示出对基督教的坚强信念，令人观后留下深刻的印象。丢勒的版画将他的意念表达出来，标志着丢勒从中世纪观念艺术转变为致力于表达创作者的个人意识，是具有“近代思想”的艺术家。
《骑士、死亡与恶魔》描述了骑士在危难中毅然勇往直前，即使面对死神也无所动摇，显示出对基督教的坚强信念，令人观后留下深刻的印象。丢勒的版画将他的意念表达出来，标志着丢勒从中世纪观念艺术转变为致力于表达创作者的个人意识，是具有“近代思想”的艺术家。
丢勒的版画使他的名声传播到遥远的国度。他的作品在他生前就被模仿得很厉害，不时会发现冒用他名字的赝品。在意大利瓦萨利所撰写的被视为美术史先驱的著作《美术家列传》（初版1550年，增补修订版1568年）之中，丢勒是少数受到公正评价的非意大利画家之一。瓦萨利在书上说他的版画“令世界震惊”。
丢勒去世以后，在很长一段时间里只被当作版画家来评论，而他在油彩方面的成就被忽略了。这也难怪，他的绘画作品和版画相比，数量的确少得多，见到真迹的机会也不多。此外，丢勒的铜版画和木版画上都有用“AD”拼合的字母，这是他个人著名的标记，让人一眼就能辨识作品的真伪。丢勒以最伟大的版画家之名，备受推崇。
丢勒的绘画直到浪漫主义时期，即18世纪后期到19世纪初，才重新受到肯定，他获得了德国民族英雄的称号，并被誉为德国最伟大的艺术家。从1815年开始，德国的画家每年都会举办“丢勒节”的庆祝活动。1840年，纽伦堡树立了丢勒的雕像。这也是德国为艺术家所设的第一座公共纪念碑。进入20世纪，在丢勒逝世400周年（1928年）和诞辰500周年（1971年）时，德国都隆重地举办了纪念活动。此外，在1971年出版的有关丢勒的文献目录上列出他的一万件以上的作品。丢勒的作品已穿越了时空，不断给后人新的启示。
版画的历史
版画制作的历史可与美术史并驾齐驱，它也是最古老的艺术形式之一。15世纪德国的施恩吉可是第一位重要的版画家；16世纪的丢勒制作了一批高质量的版画；17世纪伦勃朗的蚀刻十分精美。日本版画的制作始于17世纪的木刻版画浮世绘，在19世纪中叶开始对西方艺术和设计产生重大影响，最为人所知的艺术家是木刻家葛饰北斋。18世纪西方制作版画的重要艺术家包括哥雅等，19世纪则有杜米埃及印象派画家。20世纪以来，由于照相制版技术的出现，版画制作的技术和风格更是呈现出百花齐放的局面。
米开朗琪罗的创造力Michelangelo Di Lodovico Buonarroti Simoni
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代表了文艺复兴时期雕塑艺术的最高水平
西方美术史上难以逾越的高峰
艺术家：博那罗蒂·米开朗琪罗
出生地：佛罗伦萨
生卒年：1475～1564年
米开朗琪罗，意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家和建筑师，文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰。
1475年3月6日，米开朗琪罗在佛罗伦萨附近的卡普莱斯出生，他的父亲是奎奇市和卡普莱斯市的自治市长。13岁开始，米开朗琪罗进入佛罗伦萨画家基尔兰达约的工作室学习，之后转入圣马可修道院的美第奇学院当学徒。米开朗琪罗酷爱学习，这使他陷入绝对的孤独。在旁人眼里，他孤芳自赏，生性乖僻，疯疯癫癫，总之是与世俗格格不入的一个人。社交活动总使他感到腻烦。他几乎没有什么朋友，只和几位严肃的人士来往。他生平也只爱过一个女人，就是著名的德·贝斯凯尔侯爵夫人维多利阿·柯罗娜，但那也无非是种柏拉图式的恋爱。
1496年，米开朗琪罗来到罗马，创作了第一批代表作《酒神巴库斯》和《哀悼基督》等，开始在艺术领域显露锋芒。1501年，他重新回到故乡佛罗伦萨，用了4年时间，完成了举世闻名的《大卫》。1505年，他再度来到罗马，奉教皇尤里乌斯二世之命负责建造教皇的陵墓，1506年停工后回到佛罗伦萨。两年后，也就是1508年，他又奉命回到罗马，用了4年又5个月的时间完成了著名的西斯廷教堂天顶壁画。1513年，教皇陵墓恢复施工，米开朗琪罗创作了著名的《摩西》、《被束缚的奴隶》和《垂死的奴隶》。1519～1534年，他在佛罗伦萨创作了他生平最伟大的作品——圣洛伦佐教堂里的美第奇家族陵墓群雕。1536年，米开朗琪罗回到罗马西斯廷教堂，用了近6年的时间创作了伟大的教堂壁画《最后的审判》。
《最后的审判》面积近200平方米，耗时6年。对于这样一个宏大的工程，一个人完成是艰难的，他找来一些人做助手，最后却留下一个调制颜料干杂活的，绘画都由他自己动手完成。画中的人物充满超人的力量，表现了丰富的运动，并充满戏剧性。1541年10月31日，米开朗琪罗的壁画揭幕了，这一瞬间，整个罗马惊讶了。《最后的审判》是现在已知的这一题材作品中最惊世骇俗的一件，它将内在的上帝威严（而不是他的父权）表现得淋漓尽致。整个审判是对整个世界的，而这个世界在他看来已腐化堕落到无可救药的地步。其实这种审判在当时是反基督的，属于异教徒行为，但在当时被视为极其正统。有人评价这件作品：“审判者基督是一位伟大的、复仇的阿波罗。而这幅画可怕的震撼力正源于画家充满悲剧色彩的绝望。他把自己也画入这场审判，不是作为一个完整的人，而是一张被剥的人皮——一副由于艺术的重压而被榨干人格的皮囊。当圣母也在叱咤风云的巨人身旁畏缩不前的时候，唯一的安慰是：这张皮在圣巴多罗的手中。这位殉教者曾经发誓普度众生。”
《最后的审判》面积达200平方米，耗时6年。米开朗琪罗只用一个助手就完成了这样一幅鸿篇巨制。画中的人物充满超人的力量，表现了丰富的运动，并充满戏剧性。
米开朗琪罗的一生就是展现他创造力的一生，他从来都没有停歇过。重大创作期间，他常常和衣而睡，这是为避免在被衣束带上浪费时间。他睡眠时间很少，经常半夜就起床，抓起雕刀或铅笔记下他的构思。一日三餐仅吃几片面包。他的目标就是自己塑造的成千上万的人物形象，不应该有一个被遗忘。他说：“不预先回忆一下是否已经用过这个形象，是绝对不动手勾画草图的。”他亲手为自己制造锯子、雕刀，任何细枝末节，他都不信托别人。一旦他在一件雕像中发现有错，他就放弃整件作品，转而去雕刻另一块石头。很多时候，由于他不能把自己的宏伟构思变成现实，许多作品在中途就被他自己毁掉了。有一次，就一刹那之间，他失去了耐心，竟把一座几乎完成的巨大群像打得粉碎，就是最初所创作的《哀悼基督》。
米开朗琪罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，体格雄浑，充满了无穷的力量。大量作品在写实的基础上，又显示了非同寻常的理想加工，成为整个时代的代表。他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，作品中倾注了他满腔悲剧性的激情，这股激情以宏伟壮丽的形式表现出来。他所塑造的英雄，既是理想的象征，又有现实的感受。这些都使他的艺术创作成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。
米开朗琪罗的重要作品
《酒神巴库斯》（雕塑）1496年
《哀悼基督》（雕塑）1498～1500年
《基督的埋葬》（绘画）1500～1501年
《大卫》（雕塑）1501年～1504年
《圣家族》（绘画）1503～1504年
《创造亚当》（绘画）1511年
《摩西》（雕塑）1513年
《垂死的奴隶》（雕塑）1513年
《晨》、《暮》、《夜》、《昼》（雕塑）1520年
《最后的审判》（绘画）1536～1541年
《圣彼得桀刑》（绘画）1546～1550年
《佛罗伦萨圣殇图》（雕塑）1547～1555年
拉斐尔的完美境界Raffaello Sanzio
必知理由
意大利文艺复兴三杰之一
被后世称为“古典主义大师”
为后世开启了一扇创作典范之窗
艺术家：拉斐尔·桑西
出生地：意大利乌尔宾诺城
生卒年：1483～1520年
拉斐尔（1483～1520年）是一位极为敏捷的、具有超人才华的画家，在短暂的37年中完成了很多杰作，与达·芬奇、米开朗琪罗并称为意大利文艺复兴时代的三杰。他把文艺复兴时期新柏拉图主义的艺术理想，轻而易举地予以形象化。凭着洗练的画技和深厚的艺术功底，他创造了不逊于前两人的艺术业绩。拉斐尔对意大利文艺复兴艺术贡献之大，在世界美术史上是任何人也不能否认的。
拉斐尔出生在意大利中部的乌尔宾诺城一个富裕的中等资产阶级家庭。乌尔宾诺是一座风光秀丽的城市，也是一座历史悠久的城市。他的父亲是一位颇具水准的职业画家，母亲早逝。拉斐尔幼年受父亲影响，从素描、透视法等基本画法着手，并研读相关绘画理论，在其父的工作室接受绘画训练。拉斐尔青少年时的第一件完整作品是壁画《圣母与圣子》。《圣母的婚礼》是拉斐尔的成名之作，创作这幅大型祭坛画时他还不满21岁。
1504～1508年，拉斐尔创作的最有名的圣母像有《大公爵的圣母》、《草地上的圣母》、《花园中的圣母》等。其中《花园中的圣母》最杰出，虽是宗教画，却洋溢着人世间的幸福、美好。圣母侧身而坐，照看着两个正在嬉戏的孩子，一个是耶稣，另一个是施洗者约翰。画面线条柔和；远景优美，近景鲜花遍地；天空有几朵轻盈的白云，情与景富有浓郁的诗意。
1508～1520年是拉斐尔的艺术创造登峰造极的年代。他在梵蒂冈第一厅按照诗人德拉·欣雅杜尔的诗所配的画《圣礼之争》、《雅典学院》、《帕那苏斯山》、《三德像》等虽然是为罗马教廷所作，但拉斐尔巧妙地使它们体现出人文主义思想。《圣礼之争》是庞大的半圆形构图，天上的人群和地下的人群均排列成弧形，地上画的是教会领袖和高级僧侣，天上画的是“三圣”：圣父上帝、圣子耶稣、圣灵鸽子，12圣徒围成半圆坐在耶稣的两边。作品人物众多，但多而不乱，层次分明，神态各异，人物活动紧密相连，互相呼应。《雅典学院》把不同时期的人物集中于一幅画上，古希腊、罗马和当代意大利的50多位哲学家、科学家、艺术家和名流荟萃一堂。最成功之处是拉斐尔运用了空间构成，透视精确，气势宏伟、壮观。每位学者都有自己的个性，而且姿态、表情和活动都极其丰富。《帕那苏斯山》把古今大诗人都集合在小山丘下，显得非常自然而又符合题意，赞美了人的美德和崇高的感情，歌颂了诗和音乐的结合，画面洋溢着愉快、高雅的气氛。《三德像》又称《智慧、温厚和毅力》，三位女神左为“权力”，中为“真理”，右为“节约”。拉斐尔根据诗人德拉·埃利奥多罗的诗为梵蒂冈第二厅配制了四幅壁画：《赫里奥多罗被逐出神殿》、《波尔神纳的弥撒》、《彼得被救出狱》和《教皇和阿提拉会见》。这组画的主题是歌颂教皇的权力及其胜利。专家们认为《彼得被救出狱》最精彩，艺术家以生动的情节和高超的技巧描写了天使机智、勇敢地营救彼得出狱的紧张、惊险的细节。拉斐尔为梵蒂冈第三厅创作的壁画《波尔奇宫的火警》，原意是宣扬教皇利奥四世用祈祷消灭了火灾的奇迹，可是伟大的现实主义艺术大师却歌颂了意大利劳动人民依靠自己的力量战胜了火灾。拉斐尔最有名的肖像画有《教皇朱理二世》和《教皇利奥十世》。朱理二世被塑造得意志坚强、性格暴戾，利奥十世被刻画成一个阴险而又狡诈的野心家。此外，如《红衣主教托里佛利齐奥肖像》、《卡昔利翁肖像》、《乔万娜·达拉戈纳像》等，都是拉斐尔这个时期杰出的作品。他善于表现人物的性格特征和风度。不过艺术家最擅长的还是表现女性美。如《阿拉贡的约翰娜》和《东娜·维