如果让你向别人推荐十部电影，你会推荐哪十部？
1、《窈窕淑女》
《窈窕淑女》：视听盛宴，成人童话
背景资料
英文名：My Fair Lady
原著：萧伯纳
编剧：艾伦·杰伊·勒纳
导演：乔治·库克
主演：奥黛丽·赫本 雷克斯·哈里森
出品：美国华纳兄弟电影公司
荣誉：1965年第37届奥斯卡金像奖最佳影片、最佳导演、最佳男主角、最佳彩色片摄影、最佳彩色片美工、最佳彩色片服装设计、最佳音响和最佳改编音乐共8项大奖。
本片是根据英国剧作家萧伯纳的剧作《皮格马利翁》（或《卖花姑娘》Pygmalion）改编而来的一部歌舞片。本片获13项提名奖，最终荣获8项大奖。令人遗憾的是片中饰演女主角的奥黛丽·赫本连最佳女主角的提名都没有捞到，据说原因之一是片中女主角伊莱莎的歌唱部分全是由玛尼·尼克松配唱。
内容简介
一天，卖花姑娘伊莱莎在雨中奔跑，撞上了一个名叫弗雷迪的年轻绅士，企图让其母赔偿损失。在遭到拒绝后，她成功地从一位绅士那儿得到了3便士。然而，有人提醒她一定要拿束花给那位绅士，因为柱子后面有个便衣警察记下了她所说的每一句话。伊莱莎惊恐至极，便大声反复声明自己是个好女孩。她的叫嚷使那位绅士和便衣警察的真实身份显露了出来：前者是皮克林上校，后者是语言学教授希金斯，二人都因共同的兴趣正要去拜访对方。于是，教授在充分展示了自己的语言识别才能后又长篇大论发了一通关于标准英语的感慨，并宣称他可以在6个月内把满口土语的伊莱莎变成一个女王。
希金斯说的话让伊莱莎觉得自己想做店里卖花姑娘的愿望有了指望，于是第二天便找到教授家里，提出付每小时1先令的学费学习上流社会的语言。希金斯很恼火，但是皮克林的打赌激发了他的斗志。于是，他把伊莱莎留在家里开始了为期6个月的语音训练。
赛马场上伊莱莎的初次亮相吸引了弗雷迪，并使他对她一见倾心，丝毫也认不出她就是曾经在雨中撞到他的那个肮脏的卖花姑娘。6个月后在希腊大使举办的招待会上，伊莱莎艳压群芳、光彩照人。她高贵的举止和非凡的气质为她赢得了女王的青睐和与王储翩翩起舞的机会；同时让希金斯的第一个弟子，一个懂32国语言的专家，得出了她是一位不折不扣、有着贵族血统的匈牙利公主的结论。
成功后的伊莱莎并未感受到成功的喜悦，她在一次生气后离开了希金斯的家，打算回到属于自己的地方。然而，物是人非，没有人敢与之相认，迫不得已的她只得回到教授家里。
获奖原因分析
1965年第37届奥斯卡奖最佳提名影片有：《窈窕淑女》《欢乐满人间》《雄霸天下》《奇爱博士》和《希腊左巴》。最终，《窈窕淑女》夺取了这项奖项。有观点认为此片在表现手法上比《欢乐满人间》要保守得多，在艺术的深刻性和创新方面不及另外三部参与角逐的影片。然而，此片既然能将8项奥斯卡奖纳入囊中，可见一定有它的独特魅力之处。
首先，将语言文字游戏融于歌舞之中是本片的一大特色。片中三分之二的故事发展都是围绕希金斯教授如何把街头卖花姑娘伊莱莎改造成一个能讲一口标准英语的上流社会的淑女。按照希金斯教授的观点，标准的英语应该是莎士比亚的语言、弥尔顿的语言、《圣经》的语言。而伊莱莎的一口土话是对英语这门高贵语言的侮辱，这样的人应该被吊死。于是，出于拯救这门高贵的语言，加之成功可能带来的美誉，希金斯教授在与军官朋友皮克林的打赌下，开始了对伊莱莎的语音训练。于是观众获得了一个享受一顿听觉大餐的机会，并从中欣赏到了英语的韵律美。
为了让伊莱莎能准确无误地发出“The rain in Spain stays mainly in the plain”（西班牙的雨主要下在平原上），希金斯教授让她每天晚上睡觉前，用平常做祷告的时间练上50遍。伊莱莎成功做到了，改变了原来的发音“The rine in spine sties minely in the pline”。在这一句中，通过朗读“rain”“Spain”“mainly”“plain”等词（押韵的是/ein/），我们可以部分体会到英语优美的韵律。除此之外，片中还有很多别具一格的歌曲，如伊莱莎的《称心如意》（Wouldn’t It Be Lovely）、《我要跳个通宵》（ICould Have Danced All Night）、《展示给我》（Show Me）；其父的《我只是一个普通人》（I’m An Ordinary Man）、《把我按时送到教堂》（Get Me To The Church On Time）；希金斯教授的说唱《为什么不是标准的英语》（Why Can’t The English）、《我已经习惯了她的脸庞》（I’ve Grown Accustomed To Her Face）。这些优美歌曲加上演员精彩的演绎都能让观众体会到身心的放松和愉悦。
其次，华丽场景、华美服饰也是本片不容忽视的看点。本片耗资高达1 700万，这给观众带来了一场视觉的盛宴：人物的服饰新颖华丽、古典夸张；布景富丽堂皇；画面色彩瑰丽；场景气势宏大。这在赫本于赛马场和大使晚宴上的两次亮相中可见一斑。真是让观众饱足了眼福，如临不同场面的时装表演。这两段大场面歌舞，在出色的美术和服装设计烘托下，让人感到美轮美奂，而赫本慑人的美丽和高贵气质也让人一览无余，使人不禁又忆起了11年前《罗马假日》中美丽高贵的安娜公主和《龙凤配》中亭亭玉立的萨布丽娜小姐。赫本在《龙凤配》中，穿的是巴黎著名时装设计师纪梵希设计的一字领袍裙。那是一件袒露胸肩的白色长袍，其造型简练、明快，疏密相间的大花图案恰到好处地出现在应当出现的部位。优雅美丽的长袍仿如神话世界里的东西，使赫本一出现在银幕上就吸引了广大观众的视线，成千上万的女性群起效仿，掀起了一股声势浩大的“赫本热”。本片中伊莱莎在大使晚宴上的着装也有异曲同工之妙。
最后，本片是对古代神话在思想内容上的彻底颠覆。本片是根据萧伯纳一战前创作的一个名为《皮格马利翁》的五幕剧改编而成。剧名取自希腊神话中塞浦路斯国王之名——皮格马利翁。在罗马诗人奥维德笔下，皮格马利翁成了一位雕刻家。由于对当时妇女的美德甚为失望，他决定独身一辈子。为寄托感情，他用象牙雕刻出了一座美妙绝伦的女神像，可没想到自己竟然无法自拔地爱上了她。于是，他去向爱神维纳斯祈求，希望雕像能够复活。爱神维纳斯觉得雕像与自己有几分相似，就答应了皮格马利翁的祈求，赋予了雕像生命。最终，皮格马利翁如愿以偿地与自己亲手雕琢出的心仪女神结为夫妻。
本片虽然套用了神话中的故事情节，可是从思想内容上来看却是对古代神话的彻底颠覆。希金斯教授把伊莱莎从一个市井卖花姑娘包装成一个女王般的淑女，并最终无意识地爱上她的过程，与皮格马利翁把粗糙的象牙雕刻成一位美妙绝伦的女神，并爱上女神的过程如出一辙。可是，这一过程中所体现出的思想性却相去甚远，主要集中体现在女性的地位上。神话中，象牙雕塑女神在皮格马利翁的心中占有很重要的地位，这种重要性使他放弃了独其一生的想法，女神在其心中成了一位集美貌、智慧和美德于一身的女性的化身。而影片中的伊莱莎在希金斯教授心中的地位远不及女神在皮格马利翁心目中的地位。自始至终伊莱莎对于教授来说都只是伦敦穷人区街头的一个卖花女，无论她外貌有多大改变，语言有多大进步。因此，我们看到的结局也只是伊莱莎回到了教授的家中，教授的话还是那句“我的拖鞋在哪儿？”这暗示了在两人的关系中，伊莱莎还是处于从属的地位，还可能会像仆人那样被教授吆来喝去，神话里的美满结局对她来说只能是一个成人童话。
2、《音乐之声》
《音乐之声》：“音乐剧的神来之笔”
背景资料
英文名：The Sound of Music
原著：玛丽亚·冯·特拉普
（自传《冯·特拉普家的歌手们》）
原歌剧执导：理查德·罗杰斯
奥斯卡·汉默斯坦二世
编剧：厄内斯特·勒曼
导演：罗伯特·怀斯
主演：朱丽·安德鲁斯
克里斯托弗·普卢默
埃琳诺·帕克
出品：美国20世纪福克斯电影公司
荣誉：1966年第38届奥斯卡金像奖最佳电影奖、最佳导演奖、最佳音乐奖、最佳剪辑奖、最佳音效奖共5项大奖。
1966年金球奖最佳电影奖、最佳女演员奖。
音乐剧《音乐之声》曾于1959年11月在百老汇公演，于1960年获托尼奖最佳音乐剧、最佳女演员、最佳指挥等6个奖项。该剧在百老汇连续上演3年共1 443场，是将百老汇音乐剧推向顶峰的作品之一。该剧搬上银幕后，电影里美妙的音乐至今仍被全世界传唱，影片也被翻译成了30多种语言在世界各国上映。本片被好莱坞的电影评论家、《时代周刊》以及民意投票一致选为“美国最受欢迎的10大电影之一”。
内容简介
见习修女玛丽亚是个活泼好动的女孩，院长嬷嬷派她到冯·特普上校家任7个孩子的家庭教师。冯·特普是个退役的奥地利海军军官，妻子去世后陷于悲痛，孩子们为吸引他的注意而时常恶作剧，他们已经打发走了12名家庭教师。初来乍到的玛丽亚在经历了一系列孩子们的恶作剧之后，终于以她的善解人意，以及与孩子们相接近的天性博得了他们的好感和亲近。在玛丽亚的教导下，孩子们有礼节地接待了冯·特普的女友施奈德男爵夫人。男爵夫人的同伴、音乐会中介人麦克斯，决定将孩子们组成的这个7人合唱团引入萨尔斯堡音乐会的舞台。
冯·特普举行了家庭宴会，他在与玛丽亚默契的奥地利民间舞蹈配合中，双方无法抑制眼神中的炽热爱意，施奈德男爵夫人暗怀妒意，提醒玛丽亚的修女身份。玛丽亚无法面对，她不辞而别，回到修道院隐居。玛丽亚的离开使孩子们顿觉生活索然无味，冯·特普也在矛盾心情中与施奈德男爵夫人订了婚。孩子们来修道院看望玛丽亚，院长嬷嬷鼓励玛丽亚勇敢追求自己的爱情。知性成熟的施奈德男爵夫人为保留自己的尊严，适时提出取消婚约。冯·特普与玛丽亚外出度新婚蜜月。此时德军占领了奥地利，并任命冯·特普为德国海军军官，一直拒绝悬挂德国国旗以明志的冯·特普为了不殃及全家，决定带领全家悄悄离开，而德军已对他进行跟踪拦截，机智的冯·特普与麦克斯带领全家参加了萨尔斯堡音乐会演出，并在颁奖过程中离开现场，在修女们的帮助下摆脱纳粹的追踪，离开了奥地利。
获奖原因分析
1965年，电影版《音乐之声》登上世界舞台，时至今日，它已成为电影史上的永恒记忆。影评人Waddle曾说：“《音乐之声》甚至超出了艺术作品的范畴，从艺术史、社会学、心理学、教育学、哲学等角度来衡量都值得研究和借鉴。”剧中的玛丽亚作为一名家庭教师，她对调皮孩子、早恋孩子采取的教育方式值得教育工作者借鉴，同时，她的教学方法，如因材施教、鼓励学习热情、消除学习焦虑等方面行之有效，也值得教育工作者参照。
片中幽默有趣的情节、生动鲜活的人物、凝练深沉的感情、乐观积极的生活态度、优美旖旎的自然风光等，均使此片受到世界各国观众的喜爱，而无疑，音乐的创作和成功运用也是这部电影大获成功的主要原因。
作为一部经典音乐剧，《音乐之声》一共创作了12首独立完整的歌曲，包括独唱、女声合唱、男女声混合唱、六重唱、二重唱等，并用歌唱来刻画人物内心情感，或对人物进行介绍、对事件进行评价。全剧时长174分钟，共出现了21次歌唱，其中9次歌唱是部分歌曲的重复再现：主题歌曲《音乐之声》在前部分出现了3次，即影片的开头、孩子们与施奈德男爵夫人的第一次见面、玛丽亚离开后的7人排练片段，此外，从电影开头直至剧情高潮部分结束，即从开头至第135分钟，12首歌曲依次出现，电影的高潮部分是在第131分钟时，冯·特普将军与玛丽亚在黑夜的花园里互诉衷肠，玛丽亚独唱第12首歌曲《我年少时一定做了善事》，她通过演唱这首歌曲庆幸自己得到爱神的垂怜。按一般的逻辑，电影在这里似乎可以结束了，但为了音乐再现的需要，后部分又续接了冯·特普与德国纳粹做斗争的情节。从玛丽亚与冯·特普的婚礼，即从第136分钟开始，直至全剧结束，这期间的6次歌唱均是前部分歌曲间插性依次再现，如第16次歌唱是再现第3首歌曲，第17次歌唱是再现第5首歌曲，第18次歌唱是再现第7首歌曲，第19次歌唱是再现第9首歌曲，第20次歌唱是再现第10首歌曲，第21次歌唱是再现第11首歌曲。这种带再现的音乐结构使整部音乐剧获得了高度逻辑性与音乐统一性。
以下依次罗列剧中的12首歌曲、21次歌唱，及其在全剧中的作用。
第1次第1首：《音乐之声》，玛丽亚独唱。表现玛丽亚对大自然与歌唱的热爱。
第2次第2首：《赞颂与哈利路亚》，修女合唱。修道院的宗教弥撒曲。
第3次第3首：《玛丽亚是个什么样的人》，修女六重唱。客观介绍与评价玛丽亚的性格：她善良又淘气，让人欢笑又让人烦心，是天使又是鬼精灵。
第4次第4首：《我不知道今天会如何》，玛丽亚独唱。表达她走进世俗生活的复杂心情，走入冯·特普家庭之前的迷茫，但最终决定勇敢面对。
第5次第5首：《你即将十七岁》，丽莎与罗尔夫的二重唱。表达丽莎所面对的成长困惑。
第6次第6首：《我心爱的东西》，玛丽亚独唱。在雷电交加的夜晚，孩子们因害怕都来到玛丽亚的房间，玛丽亚唱着这首歌与孩子们嬉戏，并告诉孩子们，当心情不好的时候应多想想美好的事物。
第7次第7首：《哆来咪》，玛丽亚与孩子们的领唱与合唱。玛丽亚带领孩子们到郊外游玩，教他们唱歌从哆来咪学起。
第8次，重复第1首《音乐之声》，7个孩子的合唱。孩子们将玛丽亚教给他们的这首歌唱给第一次见面的施奈德男爵夫人。
第9次第8首：《孤独的牧羊人》，轮唱、重唱与合唱。孩子们与玛丽亚表演木偶音乐剧。
第10次第9首：《雪绒花》，冯·特普与丽莎二重唱。在看过木偶音乐剧的快乐心情下，冯·特普应玛丽亚与孩子们的要求唱起这首歌，这是他在妻子去世后第一次唱歌，也预示着他的新生活即将开始。
第11次第10首：《再见》，7个孩子的领唱与合唱。在冯·特普举行的家庭宴会中，孩子们要提前离开入睡，因此唱这首歌向众嘉宾告别。
第12次，重复第1首《音乐之声》，7个孩子的合唱。玛丽亚离开后，孩子们在麦克斯的排练要求下索然无味地唱了片段。
第13次第11首：《攀越每条山岭》，院长嬷嬷的独唱。慈祥的院长嬷嬷鼓励玛丽亚勇敢追求属于自己的生活。
第14次，重复第6首《我心爱的东西》，7个孩子的合唱。孩子们在想念玛丽亚时唱起这首歌的片段。
第15次第12首：《我年少时一定做了善事》，玛丽亚的独唱，冯·特普应和。玛丽亚与冯·特普互诉衷肠后唱这首歌曲，庆幸和感谢爱神的降临。
第16次，重复第3首《玛丽亚是个什么样的人》，众修女的合唱。婚礼上，在管风琴独奏序曲后，众修女演唱此歌祝福玛丽亚。
第17次，重复第5首《你即将十七岁》，玛丽亚与丽莎的二重唱。丽莎陷于被罗尔夫背叛的失恋痛苦中，玛丽亚与她重唱这首歌曲，告诉她阴霾很快会过去，未来生活将无限精彩。
第18次，重复第7首《哆来咪》，全家9人的合唱。在纳粹的监视下，全家人在萨尔斯堡音乐会上表演这首歌曲。
第19次，重复第9首《雪绒花》，冯·特普领唱与全剧场合唱。由于奥地利被德国占领，冯·特普用这首爱之歌向全剧场道别，歌声哽咽中玛丽亚带领孩子们加入歌唱，并带动全体观众加入合唱。
第20次，重复第10首《再见》，领唱与合唱。音乐会上再次向观众告别，冯·特普暗自谋划摆脱纳粹的跟踪。
第21次，重复第11首《攀越每条山岭》，合唱。全家人翻越阿尔卑斯山离开奥地利。合唱终曲时剧终。
作为一部拍摄于1964年的电影音乐剧，《音乐之声》已被人们誉为“音乐剧的神来之笔”，其中《雪绒花》《哆来咪》《孤独的牧羊人》等几首歌曲更是脍炙人口，成为经典旋律。例如，歌曲《哆来咪》，介绍了七声音阶中各自然音的性质与特点，该曲词曲结合完美，可谓音乐学习者的入门佳作；歌曲《孤独的牧羊人》，音乐旋律大多由八度音程跳进构成，常是音乐教育者教习八度音程的生动范例。
3、《教父》
《教父》：科波拉的“秘方”与黑手党的“史诗”
背景资料
英文名：The Godfather
编剧：马里奥·普佐
导演：弗朗西斯·福特·科波拉
作曲：尼诺·罗塔
主演：马龙·白兰度
阿尔·帕西诺
出品：美国派拉蒙影业公司
荣誉：1973年第45届奥斯卡金像奖最佳影片、最佳男演员、最佳编剧。
《教父》的诞生颇有传奇色彩。原作者普佐是个大肚糙汉，因为要急于还赌债，就以1.25万美元将这个创意出卖给了派拉蒙影业国际制片部的副总裁罗伯特·埃文斯。之后，普佐完成了《教父》的写作，小说一面世，就创造奇迹，成为美国出版史上的头号畅销书，曾连续70周排名畅销榜，37年销量达到2 000万册。但是，派拉蒙影业制作部门却对将《教父》搬上银幕并不积极，理由简单到粗暴——西西里强盗片不会卖座。好在当时实际控制派董事长查尔斯·布鲁登力排众议，坚持要开排《教父》。但随即迎来一系列的麻烦，很多名导演都拒绝导拍《教父》，他们都对原著的思想观点和改编后产生的社会效果持怀疑态度，他们一致认为，“美化黑手党等于向道德挑战”。埃文斯决定找意裔的美国导演、编剧、主演去拍这个片子。在围绕着马龙·白兰度和阿尔·帕西诺的选角问题，派拉蒙高层与导演科波拉数次当众撕破脸皮高声对骂，双方的明争暗斗要较之银幕上科里昂家族的扩张外战加上家庭内战还要激烈。
1972年3月，《教父》轰然上映，并一直放映到12月才下线，国内票房超过了8 000万美金，是当年度的最高纪录。最后，全美票房将近1.4亿美金，国外票房也超过了1.1亿美金，合计将近2.5亿美金的票房曾是影史最高纪录。
内容简介
一个中年男人向唐·维托·科里昂求助，唐·维托·科里昂是纽约黑手党科里昂家族的首领，同时向弱小者提供庇护，因此深受爱戴，被人们尊称为“教父”。
由于教父坚持自己的原则不肯与毒枭合作贩毒，以致在街头遭遇枪击，所幸没有丧命。小儿子迈克去医院探望并及时转移了处在危险中的父亲，并只身赴宴，约会了毒枭索洛佐和与其沆瀣一气的警长，用藏在厕所水箱后的手枪结束了两人的性命。
杀人之后，迈克逃往西西里，在那里邂逅了他第一个妻子，过着舒适的生活。而纽约黑手党之间的争斗愈演愈烈。迈克的大哥被杀，迈克的妻子也被炸弹炸死。愤怒的迈克回到纽约，在教父去世之后接手了教父的位子，开始了他的复仇。敌对家族的首领一个接一个被干掉，最后是迈克的妹夫卡洛，卡洛是勾结敌人杀死迈克哥哥的凶手。卡洛死后，迈克崩溃的妹妹康妮哭喊着找上门来，迈克冷静地叫来医生说康妮疯了。此时迈克的脸上写满了冷漠，新一代教父也就此产生。
获奖原因分析
“到这来孩子，学点东西！有一天你也许得为20个男人煮饭，一开始先倒点油，炸大蒜，然后放番茄，炒一下，别让它粘底……”
这不是某档厨艺电视节目，这是1973年获得第45届奥斯卡最佳影片奖的《教父》中的一段对白，同年，这部电影还获得了奥斯卡最佳编剧奖，其主演马龙·白兰度也因该片擒获了奥斯卡最佳男主角的金冠，《教父》成为弗朗西斯·福特·科波拉的开山之作，也成为其后黑帮类型电影难以逾越的典范。35年后，《教父》被美国电影学院（AFI）评为“美国影史十大类型电影”之最佳黑帮片。
这部影史上的“最佳黑帮片”，没有激烈枪战中打不完的子弹，没有枪林弹雨中打不死的硬汉，没有香艳的美女床戏，也没有今天观众已经司空见惯的模式化的“紧张”节奏。30多年过去，有关《教父》的影评、论文汗牛充栋，片中大量的经典对白令观众津津乐道，其原因只有一个，在一部真正的电影中，对白背后，是活生生的人——像《教父》片头及海报的设计中那样，是在命运的股掌间颠沛流离的人。
当今天的观众已经习惯了好莱坞模式化的叙事手法，从《教父》中提取的关键词大抵如此——“黑手党”“欲望”“家庭”“责任”等，这些标签当然无可厚非。但值得注意的是，《教父》与今天的好莱坞电影，有着本质上的差别。《教父》成片于被称为“美国新浪潮”的新好莱坞电影的黄金时期，无论后来的电影理论家如何梳理总结《教父》的成功之处及商业受众策略，但对于当时年轻的、试图改变好莱坞的那一代导演，譬如当时名不见经传的科波拉来说，他们心里只有电影，所以用今天的类型电影去套用《教父》会发现根本不适用。因为在当时，他们为了在旧好莱坞的电影僵局中寻求突破，所作所为本身是试着打破所谓的类型，所以影片中充满了探索性的尝试。比如我们所说的黑帮类型电影经典《教父》，其黑帮故事是建构在一个史诗性的叙事框架内，全片充斥着对20世纪40年代美国大时代背景的表现意图，意大利移民的生活、西西里人的传统风俗、混乱的社会格局及司法制度均在片中得到了系统的体现；甚至于两代教父的更替，江湖潮水的起落，都暗含了两种文化在两代移民间的差异冲突，像是20世纪40年代美国历史的切片，也像是以移民文化为基础建立起来的美国文化缩影。我们在其后的黑帮电影中，几乎没有看到过类似的手笔，而《教父》的张力，首先得益于用大量的篇幅与浓重的笔触营造了这样史诗性的氛围，使电影从基础上获得了良好的质感。通过大时代的背景反衬，两代教父的命运均被渲染上了厚重的宿命的悲情色彩，迈克·科里昂的成功与失败被悬置，教父的自主与被操控成为谜团，意识形态的思辨通过极其自然的方式进入影片。
在《教父》中，剧情的结构设置也以类似的方式倾向于主题的清晰而非故事的发展。在剧本改编时，他们删掉了小说中有关老一代教父唐·科里昂的过去，使之成为既定存在的故事核心，而迈克的成长只是这个核心的影子，或是围绕他画出的一条环形的线。我们可以从迈克身上看到唐·科里昂的影子，同样，也可以从迈克身上感受到唐的命运轨迹。迈克从开场身着军装出现，到对女友讲述家族故事时的态度，都说明了他希望过一种与家族完全无关的、美国式的生活，这也许正是那个被唐训斥的棺材店老板曾经想过的一种生活。但处理医院危机时他所显示出的冷静与沉稳，都在证明着他是做教父接班人的最佳人选。重重地挨了警察一拳后，迈克的选择与其说是家庭责任爆发，不如说在现实面前，回归了自己一直在逃避的西西里人血统与黑手党的家族生活。在意大利避难期间，迈克与意大利姑娘的闪婚过程，彻底宣告了他的美国梦的破灭，成为了一个在命运的操控中试图操控命运的真正教父式人物。无须小说的佐证，教父在临终前最后一次与迈克对话时表现的遗憾，印证了父子之间影子与实体的关系：“我从来没想到要你参与，我干了一辈子，没什么遗憾的，我照顾了我的家人，但是我决不当傻瓜，让那些大人物在幕后操纵我，我不必道歉，那是我的命运。”与《美国往事》这样的叙述个人经历的电影完全不同，片中没有科里昂父子深陷与往事纠结的小格局叙事，他们面对的只有正在发生的现实与人在现实中的身不由己，在宿命这一悲情主题下，对社会的评判、道德的确认等问题均显得无足轻重，彰显的只是一个男人在血缘奴役下的挣扎与看似很酷的妥协。
电影，是一门有关平衡的艺术，一部真正成功的电影，需要综合各个角度的支撑，《教父》正是这样一部影片，我们举例的类型设置及剧情结构设置只是《教父》中的基础部分。对年轻时代的科波拉而言，对于类型片的理解与今天是完全不同的，科波拉的秘方是对曾经电影的不满足，是激情而严谨的尝试，任何优秀的电影，均是如此。它们不会像《教父》片中克莱门扎制作意大利面的秘方那样，那将毁掉电影：
“……煮开了之后，加入香肠和肉丸，再加一点点酒，一点糖，这是我的秘方。”
4、《飞越疯人院》
《飞越疯人院》：“束缚”与“自由”的博弈和尴尬
背景资料
英文名：One Flew Over the Cuckoo’s Nest
原著：肯·凯西
编剧：肯·凯西 博·古德曼
达尔·瓦瑟曼
导演：米洛斯·福尔曼
主演：杰克·尼科尔森
露易斯·弗莱彻
出品：美国联美电影片公司、幻想影片公司
荣誉：1975年第47届奥斯卡金像奖最佳影片、最佳导演、最佳改编剧本、最佳男主角、最佳女主角共5项大奖。
杰克·尼科尔森是一位非常成功的美国演员。自1969年因影片《逍遥骑士》获得奥斯卡奖最佳男配角提名至今，他已先后12次获奥斯卡奖提名，3次捧得奥斯卡奖，是奥斯卡奖历史上获提名最多的男演员，堪称“奥斯卡之王”。
1994年，他获得美国电影学院的终身成就奖，1997年《帝国》杂志将他列入“当代100名杰出影星”，排名第6。他的主要作品有《关于施密特》《蝙蝠侠》《闪灵》和《尽善尽美》等。他的表演极富个性。稍短的鼻梁、宽阔的前额和粗短的身材，显示出尼科尔森独具的粗犷气质；那双充满蛊惑人心意味的眼神，给人一种高深莫测的感觉，使他那张擅长饰演恐怖片的面孔尤其让人难忘。在他1980年拍摄的恐怖片《闪灵》中，他饰演的鬼魂缠身的作家杰克·多伦斯那张阴森恐怖的脸是如此传神，以至于让人觉得那股森森的鬼气是他与生俱来的。
导演米洛斯·福尔曼被称为捷克新浪潮电影奇才，作品有《飞越疯人院》《莫扎特》《月亮上的男人》以及《性书大享》等。
内容简介
性格豪放的青年麦克·墨菲因打架入狱。为了出狱，他不惜装疯，想要以疯人院为跳板，逃出牢笼，重获自由。但迎接他的现实，却并非他想象的那般美好。在外表严肃端庄、骨子里却冷酷残忍的护士长拉奇德的统治下，疯人院的病人们在音乐中有序地吃药、接受治疗、召开触犯个人隐私底线的讨论会，整个疯人院平静得像一道空荡荡的走廊，毫无希望与生气。
充满青春气息的麦克犹如一道自由的旋风在病院刮过，他与病友打牌、打篮球、说俏皮话，甚至趁医院让病员休息之机，私自带领病友去码头游玩，在他的影响下，死气沉沉的疯人院里开始有了一丝活力。但他的所作所为使他与拉奇德之间的矛盾更加突出，他因此所受到的惩罚也更加严厉。他一再闹事，一再遭到镇压，形势的严峻使曾经满怀希望的他意识到，这里绝非是他想象中的自由避难所，因此，他开始准备自己的逃跑计划。
麦克的女友开车前来接应即将跃出牢笼的他，在离开之前，麦克向病友告别，并举行狂欢晚会庆祝即将到来的自由。早晨，拉奇德抓住了为成全好友比利而延误时机未能逃走的麦克。他被残忍地做了脑叶切除手术，真正变成了没有思想的行尸走肉，病房里又恢复了平静。夜里，麦克的好友印第安酋长用枕头将他窒息而死，结束了他的生命。在夜色掩护下，健壮的酋长带着麦克热爱生活、追求自由的灵魂，跃身逃出疯人院，消失在黎明前黑魆魆的远山之中。
获奖原因分析
好莱坞电影中经常涉及精神病患者这一题材，如希区柯克的《精神病患者》《群鸟》等，但这些作品更多地是从犯罪、惊悚片的角度推进故事发展，对精神病人持批判和揭露态度。而《飞越疯人院》却一反常规，站在病人立场，将精神病人描写成一个个可怜无助、被制度扭曲和戕害了正常心智的受迫害者，将批判的矛头对准了制度和利用制度实施统治的所谓正常人，使影片始终展示着“冲击束缚”与“追求自由”的博弈，揶揄制度统治中的尴尬与无奈，本片的常规之处有以下几点：
1.个性化的表演，眼神的战争
作品中故事发生的背景是精神病院，人物多是精神病人，这样的题材自然给演员的表演带来了极大的挑战。米洛斯一贯的风格是一丝不苟地挑选职业演员作为主角，并大胆起用非职业演员。职业演员和非职业演员之间对手戏的表演难度可想而知。
尼科尔森自幼性格孤僻内向，这使他常扮演内心世界阴郁灰暗的角色。他的表演夸张，却有一种独特的魅力。那狡黠、变化莫测的眼神，掩藏在眼窝深处的小而亮的眼睛，都给人一种粗犷感和狡黠感，带着一种咄咄逼人的气势。他的表演本色当行，具有非凡的表现力，令人不敢深信却又极容易上当，令人无法猜透其内心世界。除表演之外，尼科尔森被导演挑中的原因还在于他与剧中人物的性格有相似之处——热情奔放、玩世不恭、不受羁绊。
息影10年的弗莱彻能够被导演挑中，更加证明了米洛斯的眼光和他对演员的识别能力。她曾在一家医院做过护士，虽说在20世纪50年代的一些电视作品中有所表现，但影响并不大。此次东山再起不仅因她个人生活经历与剧中人相符，而且其相貌忠厚，隐藏着杀机的慈祥目光威力无比，脸上程式化的微笑以及冷漠平静……无不体现出剧中人物的老辣和圆滑。她利用天然的温柔战胜了放荡不羁的麦克，减少了影片中过多的剑拔弩张，使争斗更加隐蔽，使影片的内涵进一步拓展。这个含威不露的护士长在戏份上与男演员难分伯仲，表演恰到好处令人叫绝。
扮演弱智青年比利的布雷德杜里夫的表演也异常出色，这使他获得了奥斯卡最佳男配角奖的提名。
这三位演员的成功之处可以概括为眼神。狡黠的眼神、藏而不露的眼神、慌乱的眼神，在相互的交锋中不时变换，可以说，他们之间的较量是一场没有战火硝烟的“眼神的战争”。
2.喧闹与讽刺调配，笑容与泪痕相携
在好莱坞电影史上，本片被称作是一部“原爆”性的社会讽刺电影。20世纪70年代，嬉皮文化流行，人人崇尚独立、自我，反对政府体制，本片应时代思潮而生，因此一直被影视评论界誉为“70年代社会政治电影的代表作”。
影片中，麦克的行为和遭遇令人感慨万分。具有强烈叛逆思想的主人公用他“明知不可为而为之”的精神去挑战和颠覆代表旧体制的精神病院，最终虽被打败，但他撒下的种子却在他人身上开花结果（酋长的行为使结尾不无温馨明媚），作品中“体制规范是可以打破的”的思想有一股令人感到亲切和鼓舞的力量，在当时人心浮躁、信仰匮乏的年代显得特别可贵。
主题的深刻与手法上的喧闹喜剧色彩进行调配，使影片体现出“寓庄于谐”的智慧光芒。作品中的喜剧元素无处不在：球场上酋长灌篮的从容不迫，病人们打牌时的斤斤计较，出外游玩时的返老还童……无不令人捧腹。轻松的外表，包裹了它的深刻，喧闹与讽刺调配，笑容与泪痕相携，是这部影片获得成功的法宝。
3.清醒的批判意识，隐喻性的哲学意蕴
长期以来，有人将本片定位为简单的象征意义：诸如疯人院象征美国社会，麦克·墨菲是反现行制度的英雄，拉奇德代表了卫道士和帮凶……这种将影片中的人物、事物同现实社会作机械类比，无疑会降低作品内涵的丰富性。导演福尔曼曾说，无论是在捷克还是在西方，最残酷的永远是生活本身。因此，影片表达的是基于人类普遍意义上的强烈的愤世嫉俗情绪和追求自由反抗束缚的叛逆精神，具有一种普泛性的社会批判意识。剧中人麦克·墨菲付出种种努力，作了种种抗争，就是想要摆脱现代社会的束缚，追求个人的一丁点自由，但强大的压力和约束，最终将他变成一个失去思想的白痴、一具没有思想的行尸走肉。麦克的遭遇及最后处境使处于社会束缚下的人们恍然大悟，原来自己也如片中的麦克一样，不断与制度抗争，到头来却在不断地被驯服和被镇压中，一再让步和妥协，蜕变为社会制度戕害下的白痴。
《飞越疯人院》不仅仅是一部反社会、反体制的影片，病人们的恐惧也并不仅仅来自于体制本身的禁锢，它来自于周遭的生活，甚至来自于个人内心深处。因此，从人类本身和人类历史角度来看，《飞越疯人院》蕴含的寓意会让人们对自由无忧的生存状态更加不懈地追求，并加倍珍惜。
5、《末代皇帝》
《末代皇帝》：历史的“人质”与“自我”的囚徒
背景资料
英文名：The Last Emperor
编剧：马克·派普罗
贝尔纳多·贝尔托鲁奇
导演：贝尔纳多·贝尔托鲁奇
主演：尊 龙 陈 冲
彼得·奥图 邬君梅 英若诚
出品：意大利扬科电影公司
英国道奥电影公司
中国电影合作制片公司
荣誉：1988年第60届奥斯卡金像奖最佳影片、最佳导演、最佳改编剧本、最佳摄影、最佳美工、最佳服装设计、最佳剪辑、最佳音响效果、最佳原创音乐共9项大奖。
这是第一部得到中国政府许可在紫禁城内拍摄的故事片，也是1949年以来第一部得到中国政府全力合作的关于中国的西方电影。此前第一部获准在紫禁城内拍摄的西方电影是Lucy Jarvis1973年为NBC公司拍摄的纪录片《紫禁城》。
影片以溥仪的家庭教师庄士敦所写的《紫禁城的黄昏》为原始构架，参考了溥仪的自传《我的前半生》和紫禁城清宫档案史料。整个摄制组是一个共同创作的集体：150名中国人、100名意大利人和20名英国人，另外还有30名翻译人员。影片拍摄期间恰逢英国女王伊丽莎白二世访华，但是摄制组得到了政府的优先权，导致女王无法参观紫禁城。
据尊龙的助理说，当年贝尔托鲁奇在面试男主角时，尊龙是第一个，而且贝氏也的确是一眼就相中了气质独特的他，但是贝氏不相信这个男一号会来得这么容易，所以又在美国以及亚洲地区寻找了很长一段时间，最终，他还是选择了尊龙。
内容简介
影片从1950年的哈尔滨火车站拉开序幕，溥仪身穿囚衣，与其他八百多名战犯一起被苏联红军从苏联押送回到中国。许多战犯认出他就是前皇帝时，纷纷下跪向他磕头。无地自容的溥仪溜进了候车室的盥洗室，用刀片割手腕，企图一死了之……
躺在血泊中的溥仪，打开了记忆的闸门：1908年，重病缠身的慈禧太后立年仅3岁的溥仪为皇帝后，便咽了气。盛大的登基典礼过后，幼年的溥仪整天在偌大的宫殿里追逐嬉戏，从不过问国事。溥仪6岁时，爆发了辛亥革命，满清政府被推翻，溥仪在紫禁城里过着与世隔绝的生活。不久，英国人庄士敦来到宫里，做了溥仪的家庭教师，使他了解了外面的世界。
溥仪16岁时，与比他年长一岁的婉容成了亲，12岁的文绣成了他的第二夫人。1924年，冯玉祥率部进京，溥仪被赶出了紫禁城，来到天津，在租界租了公寓。1932年，在日本人的一手策划下，臭名昭著的满洲国成立。两年后，溥仪当上了日本人的傀儡皇帝。1945年，苏联对日本宣战，满洲国垮台。准备逃跑的溥仪在长春机场被苏联红军逮捕，被押送回国后，在抚顺的战犯管理所接受思想改造。
光阴流逝，1959年，溥仪受到政府的特赦，成了一名普通的工作人员。一天，他信步来到紫禁城，看到熟悉的一切，感慨万千：时代和他自己的命运发生了根本的变化，可紫禁城依然如故……
获奖原因分析
1988年，获得第60届奥斯卡奖最佳影片提名的有《末代皇帝》《广播新闻》《致命的诱惑》《希望与荣耀》《月色撩人》，最终摘得桂冠的是《末代皇帝》。应该说，这是一次毫无悬念的竞争，一次令其余四部影片心悦诚服的退出。《末代皇帝》的宏大题材、深刻主题、对“历史”及历史人物独特的书写角度、精致细腻的光影构图和细节设置，当然还有它对于“东方情调”的刻意营造和着意渲染，彻底征服了奥斯卡奖评委。
《末代皇帝》最大的成就在于它作为传记片相较于同类影片在人物塑造方面的探索与突破。在贝尔托鲁奇的眼中，中国历史上的最后一位皇帝并不会因为其传奇性经历与命运而萦绕着特别的光环或迷雾，而是应该拂去历史的尘埃，带领观众认识一位无助的儿童，一位孤独的少年，一位被历史和自我囚禁的青年，以及一位沧桑过后平静坦然的老人。这种对传主作平等关注的视角，使观众看到了一位具有传奇色彩，但更具丰富人性和心理真实的溥仪。
《末代皇帝》在塑造溥仪时，引入了精神分析学的内涵，使得人物的心理动机和性格形成清晰可辨、令人信服。在贝尔托鲁奇看来，3岁就离开了母亲的溥仪，不过是一个缺乏爱与安全感的孩子，此后他的一生都在寻找并重回母亲的怀抱。影片中多次出现溥仪吮吸奶妈乳头的镜头，这正是一种重归母体的冲动与渴望。当奶妈被赶出紫禁城，溥仪对母体的依恋被强行割断，他转而在权力中寻找新的满足。但是，现实的处境使他知道自己不过是“历史的人质”，只是一个摆设、一枚棋子，根本不能有任何作为。这就不难理解，当日本人说可以让他在满洲国再次做皇帝时，他没有听从身边人的劝告，而是将对“安全感”的依赖与渴望转移到对权力的拥有与迷恋。可见，影片用西方的精神分析学和心理学知识来阐释一个东方人物，为西方观众接受溥仪找到了共通性的媒介，也为中国观众理解“末代皇帝”打开了另一扇窗。
影片将溥仪的人生主要分为5个阶段：紫禁城时期（1908—1924）、天津时期（1925—1931）、满洲时期（1931—1945）、战犯时期（1950—1959）、特赦后（1959—1967）。影片没有按照历史进程来线性叙述溥仪的一生，而是让作为战犯的溥仪来回忆他的前半生。这样，“回忆”就染上了浓重的主观情绪色彩，影片也用了相应的色调和光线来对应人物的情绪变化。这使影片如同一首用光影和色彩书写的华彩乐章，气势宏伟但又不失细腻精致。
作为战犯的溥仪，情绪低落，万念俱灰，影片在呈现战犯管理所的生活时主要用冷色调，色彩以灰、黑、白为主，有光源的光线几乎没有，整个场景都是灰蒙蒙的，没有生机，没有希望，对应着溥仪的心境。这时，紫禁城的生活在溥仪的回忆中就显得格外温馨和温暖，色彩以红、黄为主，且呈现为一种过度饱和的暖色调。这是溥仪生命中最浓墨重彩的一段经历，甚至是他一生都在重温和回味的美好时光。而天津时期的溥仪，虽然享受了短暂的自由，但失去了皇宫的庇护和权力的威严之后，生活显得单调冷清。因此，天津时期的主要场景都是夜景，文绣离开的时候更是个大雨的黎明，蓝光弥漫的冷色调投射了溥仪的内心情绪。1934年第二次登基时，影片再次使用了暖色调，但这是一种不饱和的暖色调，没有第一次登基时的那种温暖和煦，而是放在灰蒙蒙的外景下，甚至有一丝阴郁的气息。尤其随着傀儡皇帝的本质越来越清晰地暴露出来，场景更是逐步变得阴沉、压抑、灰暗。最后，经过战犯管理所的改造，溥仪能够平静淡然地看待过去的荣光与耻辱，也卸下了“皇帝”的负累，恢复为一个普通的公民。这时，溥仪周围的光影柔和了许多，色调仍以暖色调为主，但没有过度饱和，也没有刻意弱化，而是现实生活正常光影的还原。
此外，为了形象地呈现溥仪的心理状态，影片在溥仪出场的时候几乎都用了侧光，他的脸部总是被光线分割成阴阳两面，这是为了暗示溥仪不自由的状态，以及他内心的阴影。在1924年离开紫禁城时，溥仪脸上第一次没有用侧光，而是用顺光呼应他重见天日的欣喜。但到了天津和满洲，他的脸马上又被侧光包围，说明他再次陷入外界和内心的阴影之中。在战犯管理所，他更是从未远离这种阴影。溥仪晚年重回乾清宫时，影片仍用一个近乎逆光的侧光来表现仰望龙椅的溥仪。这次的用光更像是对溥仪一生的概括：他的一生只有那么一点光亮，其余部分全是阴影，这些阴影或者来自于现实秩序和历史情境，或者来自于他内心的欲望。直到溥仪与守卫的儿子谈话时，他的脸上才没有用侧光。确实，在生命的暮年，是非荣辱都已不重要，他这时只是作为一个普通的老人在与一个孩子谈话，他的生命已重获澄静，因而用了顺光。
可见，《末代皇帝》不仅有着对于历史人物的独特塑造方式，更有对于光影、色彩、音乐等元素的精妙运用，这使得影片实现了内容和形式的完美结合，在精致但又磅礴的影像中融入了深刻的历史反思和心理内容。当然，影片为了顺应西方观众对于“东方”的好奇，对中国古代的建筑、服饰、皇家礼节、“文化大革命”等场景过于迷恋，摄影机用混杂着困惑、好奇、崇敬的视线为西方观众呈现了中国两千多年文明中透露出的威严、庄重、华丽、富贵，当然也在一些中国古代的陋习、奇观、神韵中流连忘返，沉醉不已，惊愕不已，甚至有时为了满足这种猎奇心而不顾情节发展的正常节奏和场景设置的主题意义。
6、《雨人》
《雨人》：公路之旅，手足情深
背景资料
英文名：Rain Man
中文名：雨人/手足情未了
编剧：巴里·摩尔
导演：巴瑞·莱文森
主演：达斯汀·霍夫曼
汤姆·克鲁斯 瓦莱莉·高利诺
出品：美国环球影片公司
荣誉：1989年第61届奥斯卡金像奖最佳影片、最佳导演、最佳男主角、最佳编剧共4项大奖。
“雨人”一词的来历：电影《雨人》中的主人公雷蒙咬字不清，总是把自己叫成“瑞曼”，在英文里就写成“Rain Man”，从字面上硬译，就成了“雨人”。应该说，这是个不成功的、很别扭的译法。但是，出奇制胜，“雨人”后来竟成了一个具有特别意义的专有名词，指那种具有某种特殊才能，但日常生活不能自理的人，厉害点的叫“白痴天才”。达斯汀·霍夫曼在剧中所饰演的“雨人”正是这样一个人，他具有超乎常人的对数字的敏感性。
内容简介
查理·巴比特是洛杉矶一名青年汽车销售商。他的母亲早已过世，父亲是百万富翁，但他对父亲没有感情。当查理得知父亲去世的消息后，他并不想离开西海岸，丢下公司的事去奔丧，但父亲留下的一大笔家产却能给自己的企业复兴带来希望，于是他前去参加父亲的葬礼。
次日，查理会见律师。律师宣布遗嘱，父亲居然把300万美元的遗产列为信托资金，查理愤愤不平。他只得到一辆老式的“别克”和一座蔷薇花园，而他从未谋面的哥哥却继承了300万美元的遗产，愤愤不平的查理立刻前去寻找哥哥。哥哥雷蒙长期住在一所疗养院里，他自幼患严重的自闭症，终日沉浸在自我幻想世界之中，行为异常，被视为白痴。他特别怕下雨，还总把自己的名字念成谐音的“雨人”。不过他除了寡言少语外，其他方面倒也正常。查理决定把雷蒙带回洛杉矶，担任他的监护人。于是，兄弟二人及苏珊娜开始了为期一周的旅行。
旅途中，查理被雷蒙许多古怪的生活习惯和因不谙世事而出的洋相弄得筋疲力尽、哭笑不得。但他也发现，雷蒙有惊人的记忆力和心算能力。一向只知道做生意赚钱的查理在与哥哥的接触中，逐渐学会了关心人、爱护人，并且认识到世界上还有比金钱更珍贵的手足之情。当两兄弟最后到达洛杉矶时，查理已与哥哥难舍难分了。
获奖原因分析
首先，影片塑造了“雨人”这个形象，使我们对智障人的生活、感情、命运等产生深深的关注。先天智障的雷蒙很不幸，弟弟出生后，父母担心他会伤害新生儿，将他送到了护理院，他从此与亲人隔绝，成了家庭的“弃儿”。作为先天性的自闭症患者，很多在常人看来不关痛痒的事，对他而言却是致命的重要。比如害怕坐飞机，准时看《人民法院》节目，晚上11点准时睡觉……苏珊娜在电梯里吻雷蒙后问：什么感觉？雷蒙答：湿湿的。这大概就是智障人对男女之情的全部感受了，令人莞尔一乐又心酸同情。短短的旅程中，查理无数次地抱怨哥哥无法与自己沟通，他一次又一次地拂袖而去，又不得不屈服迁就，内心的冲天怨气和言行的暴躁无奈在他看来都是拜这位从天而降的哥哥所赐。
然而，当上帝关上一扇门的时候，往往会为你打开一扇窗——雷蒙具有匪夷所思的数学与记忆能力。查理利用哥哥的特殊才能在赌城拉斯维加斯大获丰收，背景音乐里歌手兴奋的狂吼就是查理兴奋难抑的心情写照。雨人木然听从，形同傀儡。单纯的雨人是一面诚实的镜子，映出查理唯利是图的不义和诡诈。
雷蒙之所以可爱，是因为有未被世俗污染的纯真和单纯。当他笨拙地唱起儿时对弟弟唱过的歌，当他看到滚烫的热水，歇斯底里地尖叫着怕伤害婴儿，查理才明白哥哥对自己的感情之深。30多年的岁月没有抹去他心中对于亲情和家的回忆：他“一垒、二垒”的喜剧对白，他的发黄的照片，成人了提及父亲仍喊“爸爸”……儿时的记忆入骨入髓，一旦被触碰，他就如当日一样保护和抗击。亲情是一种野蛮关系，因为无法选择且历时一生。然而，金钱却以更嚣张的姿态插足其间，令人惊悸。但亲情终究战胜了金钱，离别将至，弟弟坦言心中的不舍，憨傻的雷蒙竟然主动让两人的额头相贴。镜头延续，音乐响起，虽无倒叙，然而之前的点点滴滴却似从观众眼前恍然而过，憨傻的哥哥最终感化了功利的弟弟。
其次，塑造了查理这种在当代商业社会中，自我封闭型的感情“残疾人”形象。查理经营着一家汽车销售公司，生活整日就像在打仗，各种意料不到的事情都在影响着他的销售份额。他面对着供货商、买车者，要维持公司正常运转，必须最大限度地获取利润。接不完的电话、处理不完的事务、解决不了的难题、紧张而极具竞争的商战环境使他总以经济利益来处理人际关系，甚至包括亲情。他和别人没有情感交流，对于父亲，他满怀怨恨，只是因为父亲当初对他太冷漠，他就一气之下离家出走，而父亲死后又把大笔遗产给了他素未谋面的哥哥。对于继承了父亲遗产的智障哥哥，他的目的就是如何通过法律手段成为他的监护人，顺理成章地得到300万美元的遗产。他的女朋友也因为他这种自私无情的行为弃他而去。他像我们大多数都市人一样，是这个商业世界的迷途羔羊，他天性是善良的，但是生存、竞争、物质利益使他自我封闭，人性严重异化。他身上显现出的是精神的“残疾”：拜金主义，由此导致他成了情感的“残疾人”。与哥哥相处之旅，就是他的人性复苏之旅，也是他重新感受亲情可贵的自我治愈之旅。
查理一开始只有一个目的，就是得到大量的遗产。300万美金，把兄弟俩联系在一起。他委屈自己与难以忍受的智障哥哥相处。他的狡诈、暴跳如雷、唯利是图在哥哥善良天真的无形影响下发生了改变：他不坐三小时的飞机而改坐三天的汽车，帮哥哥脱鞋子，听哥哥回忆童年在一起的时光，还教哥哥跳舞。当哥哥坐火车离去时，查理独自一人在站台虽然潇洒依旧，但若有所失，亲情最终战胜了金钱。
第三，在影片中还出现了一位未出场的智慧父亲形象。在心怀怨恨、被金钱蒙蔽了心智的查理看来，百万富翁的父亲是不可理喻的，因为他在遗嘱中写到：“我还记得你离家出走那天……你不愿假装爱我、敬我，这些我也原谅你了……我遗赠给我的儿子查理·巴比特，那辆别克敞篷车，以及我得奖的配种玫瑰花丛，愿那两者能提醒他，使他记起出色的价值和完美的可能性。至于我的房屋及其他财产，将设立信托账户，由信托公司支付收益人终生之用。”实际上，父亲将他曾经认为最心爱的东西赠给查理，这是一种感情寄托，是用这种方式在唤醒查理心中沉睡的亲情以及为人之道。而将300万美元遗产留给一个毫无金钱观的雷蒙，既是对金钱的嘲讽，也是引导唯利是图的查理去寻找雷蒙，去帮助雷蒙，希望兄弟俩能重温手足之情，而父亲的愿望最终实现了，苦心孤诣的父亲可谓洞察世事的智者。
此外，影片用公路片的形式，利用沿途的风光来表现人物的心情，使得情景交融，相得益彰。公路片的叙事发展是以一段旅程为背景，电影的主人公在占电影绝对篇幅的公路旅行情节中，完成生命体验、思想变化、性格塑造，产生一系列的戏剧冲突，或者与别人的，与自我心灵的交流。旧别克一路风尘，从早开到晚，从农村开到城市，从小镇开到小城，沿途展示给我们很多自然风光，大都与影片的表情达意相契合。兄弟俩走过风车遍野的强风地带，弟弟的愤怒使得汽车也发狂，于是汽车驶出公路卷起浓浓的沙土灰尘漂浮在空中，这样的背景很好地表达了查理烦乱的心情。最终，兄弟俩和好时，一路看过去，郁郁葱葱的大树在公路两旁站成整齐的两列，汽车驶过，在阳光下清新而又明亮。这与兄弟俩温暖的心情相吻合，观众也如沐春风。除了旅行途中，影片中情景交融的场面也不少，比如查理参加完葬礼后与女友苏珊娜在父亲的住宅中讲述与父亲的不和，雨落池塘的空镜头表现了他孤独郁闷的心境。而赌场大赢后，广场中心喷泉飘洒的镜头又极为准确地表达了三个人兴奋的心情。