央美版画第三工作室系列课程｜黑白转换（第1期）

时间：2023-08-12

　　课程简介

　　在版画系，各导师工作室都有明确的教学方向。对三工来说，除了木刻、铜版这样的版种语言训练之外，和绘画艺术相关的视觉训练、思维训练也是不可或缺的基石，黑白转换就是这样一门课程。众所周知，黑白是绘画的基础，也是版画的内在语言，在往后的学习和创作过程中起到关键作用。我们的黑白转换课程立足于绘画艺术本身，不拘泥于某种特定形式，学生将在四周时间内进行从客观黑白到主观黑白的转变，最终达到黑白语言的自觉，步入自由的境地。我们不仅要教会他们熟练地运用黑白手法转换客观图像，也要让他们具备优秀的视觉判断力，并在转换过程中掌握形式思维方法。

　　任课教师：王华祥、李军

　　授课对象：2019级本科生三年级、进修生

　　教学时长：4周

　　文字记录：李军

　　第一讲

　　本课程共有两个学习阶段，利用纯粹的黑白语言概括客观图像是第一阶段，目的是让学生能主动取舍黑白，避免抄袭对象。从复杂的画面慢慢进入黑白的极限，这种纯粹的、简化的画面迫使学生直接面对形式构成问题，摆脱客观形的限制。此阶段控制在两周之内完成，要求学生从生活中取材，利用纯黑白的手法，不使用任何灰色，完成黑白语言训练。

　　王华祥老师（以下简称“王老师）：黑白转换最早是版画系的基础课，无论你做什么版种，都需要通过黑白归纳明暗、固有色。这种从模仿到思维的训练，在其它画种是不存在的，油画是模仿眼之所见，版画必须要转换，甚至是多次转换，它是一个创造性过程。因此，版画家是活跃的，他能跟上社会的变化，甚至是超前的。三工经过多年的建设，将黑白转换课程延续下来，在我们的教学系统中发挥着重要作用。下面我们看一下大家的作业。

　　李军老师（以下简称“李老师”）：王子申一开始比较依赖客观，之后慢慢获得要领，黑白往极简方向走了。当画面相对稳定一点的时候，我建议他利用有限的线条元素增加画面的黑白层次，但一定要把握好尺度，线条多了就会产生灰色，毕竟我们第一阶段的训练目标就是纯黑白。

　　王子申Wang Zishen

　　王子申：我在画的过程中一直克制自己使用灰调子，前期的作品太依赖原始照片，缺少归纳，后期做了调整。同时，我也尝试了黑白色块的置换，进行了极端的、感性的和理性的画面推演。

　　▲王子申作品（←向左滑动观看原照片与作品的对比）

　　王老师：这些“白”很精彩，没有轮廓，只有黑和白，通过白色体现形象的特征。具象的、极端的语言对于我们形成抽象思维非常重要，这样的练习要有一定数量，要养成拿手机随便一拍就能进行黑白处理的习惯。

　　▲王子申作品

　　▲王子申作品（←向左滑动观看原照片与作品的对比）

　　王老师：有几张画加进了新元素，在黑白色块之间有了黑线，这就是中间调，它不同于剪纸，更具绘画性。如果我们的方法不对，水平和格调就不高。当线条增加就会遇到写实，从概括的角度向真实靠近，线条越细，画面就越灰，最终变成素描、铜版画。这里面没有好坏，一个是抽象角度，一个是具象角度，任务不同，标准就不同。比如瓦洛东，一百多年仍然是经典，代表了黑白的最高水准。一旦我们的方法对了，就接近他了。你的问题是太像他了，但概括到这个程度，结果必然是这样。因为好的东西只有一种，差的东西千万种。个性化就要打掉唯一的标准，但代替不了最好的东西。那么多人用光影，伦勃朗就是最好。如果你要创新，就要离开瓦洛东的标准，不能是纯黑白，要有灰色，那就千差万别了。

　　▲王子申作品

　　人都有个性，是否他们都能有价值呢？事物的功能不同，需要它有对应的特征。每一种东西都有特点，并不是所有的特点都有价值。“特点”是一个价值观，“好”是另一个价值观。从黑白的角度看，这个就是好，虽然其他作品有特点，但不属于这个评价范畴。

　　但一定要控制好灰调子，不能太多，灰调子是下一阶段的练习。德国表现主义的木刻大师，几刀就能把形态弄出来，贝克曼都是线，麦绥莱勒是色块的组合，这种创造力是在限定中产生的。在限定中做到丰富性，前提是你要具备一定的概括力，否则你的画面是乱的。调动画面中的各种具象元素，让它成为画面黑白的元素。未经概括的画面更具客观性，就像插图，它需要足够的客观性以便于图像的叙事。但我们的课程是让大家走向画面黑白的自觉，从客观进入，从主观出来。

　　客观对象中有很多东西都是黑白灰的来源，这时必须要将其进行转换，将不必要的细节归纳在一个色块里，究竟属于黑还是属于白，完全依靠我们的视觉判断和对黑白的感知。这里最先要做到的是黑色与白色的比例。

　　▲王子申作品

　　另外，你还要多看画、读画，认识其中的黑白原则，脑子里要有足够的视觉储备，那么你对艺术的态度就会有变化。每个画家都有自己的语汇，是他们语言系统的一部分。例如瓦洛东的作品，极简的黑白、人群、平面纹饰就是他的语汇。而母亲、孩子、骷髅、雕塑式的构图、黑白灰的造型、粗旷的，就是珂勒惠支的语汇。你要读懂他们的语汇，认识内在的关系和区别，那么你就会受到影响，这就是“文化的观看”。

　　刘梓轩Liu Zixuan

　　刘梓轩：我这两周以纯黑白的语言为主，素材有的是网上的摄影图片，有的是自己随手拍的照片。刚开始有点拘谨，后来主动很多。

　　▲刘梓轩作品

　　王老师：很不错！黑白做得好的同学，画面有明显的色块意识。希望大家保持训练状态，因为我们的习惯只有在一定的时间跨度内才能养成，否则就会回到考前，要把这些知识变成画面的品质，在今后的创作中发挥作用。

　　李老师：这个阶段的练习，刘梓轩掌握的很好，她从光影和固有色两个角度入手将对象平面化，黑白色块构成极为明显。

　　沈秋杉Shen Qiushan

　　沈秋杉：我以建筑为题材画了一些作品，画面的几何构成感比较强。

　　▲沈秋杉作品（←向左滑动观看原照片与作品的对比）

　　▲沈秋杉作品

　　▲沈秋杉作品（←向左滑动观看原照片与作品的对比）

　　▲沈秋杉作品

　　▲沈秋杉作品（←向左滑动观看原照片与作品的对比）

　　李老师：沈秋杉的黑白很稳定，因为建筑自身就是几何形，相对于人物来说便于简化处理。但能做到这样的黑白取舍也很不容易，毕竟建筑物上有很多复杂的客观形。

　　▲沈秋杉作品（←向左滑动观看原照片与作品的对比）

　　▲沈秋杉作品

　　王老师：沈秋杉的黑白很棒！形和颜色的简化能保持一致。纯黑白阶段，你们三个人有很大不同。题材上我建议你们可以从自己的生活出发、个人出发，只有这样，观众就不会联想到原来看过的范画，因为内容不同。你们可以尝试将黑白变成灰白，甚至是彩色，色调从2种，再到3种、5种。再复杂的画面，本质上也就黑白灰的组合，只不过在灰色里面有不同的灰色，白色里有不同的白色，黑色也是如此。所以，当你懂得如何概括黑白，这些色调都能很好的被控制。

　　在黑白转换训练前期，一定要注意大的黑白色块，只有先把握住大的东西，才能在此基础上衍生出小的层次。简单来说，一个只有黑和白的画面，再往下分，黑色里面有不同的色层，我们可以从中找到深灰、中灰等等色调，只要有微差都能不停地分下去，但无论你怎么细分，这些色层都在黑色的范围内，白色也如此。这是首先要建立的色块意识，往后还会有新的变化。

　　胡雯迪Hu Wendi

　　▲胡雯迪作品（←向左滑动观看原照片与作品的对比）

　　▲胡雯迪作品

　　王老师：你们一旦用灰色，你们的变化和个性就会出来。我们的目的就是从极端的黑白走向个体，极端是没有个性的，只有最好的一种，个性就千差万别。这套方法很独特很有效。

　　刁安格Diao Ange

　　▲刁安格作品

　　王老师：你有的作品很像图章，不要以白色作为背景，否则画面将失去边界。从形象出发，从画面出发，慢慢进入抽象形。我们的练习是借用黑白形进入到抽象形，不是在画插图，一定要有这个画面意识。

　　▲刁安格作品

　　李老师：个别同学还是摆脱不了客观性的限制。图像一旦进入纯黑白的概括后，客观的准确性就慢慢在减少，原本琐碎的、真实的细节就需要归纳成一整块黑色才符合画面的黑白逻辑。那么，琐碎外形的消失就是抽象活动的开始，包括人物的外形也是一样，但有的同学就是被过往的造型经验框住了。

　　王文昌Wang Wenchang

　　▲王文昌作品

　　▲王文昌作品（←向左滑动观看原照片与作品的对比）

　　▲王文昌作品

　　王老师：如果说油画的基础是素描，那么版画的基础就是黑白。黑白之间再衍生出灰，三者是单色画面的最小色调单位。“三”这个数字很神奇，以此为基础就可以发展成无限，比如绘画中的黑白灰、红黄蓝，语法中的主谓宾，古典艺术中的近中远，抽象艺术中的点线面，这些都是自然规律。在视觉上，我们只有符合这种规律，看起来才舒服。

　　▲王文昌作品

　　形的简化和人物要统一起来，人物的细节要得到充分的概括。麦绥莱勒就是很简化的形，当我们的线条用于肌肉结构的描绘就需要相对的准确，要么你很朴实、很传神、很拙，李桦、古元的版画就是，他不是故意变形。老演员在表演时都需要进入所演的角色，今天的演员都是演自己，把自己弄好看，不是为了剧本的角色。传统的艺术就是要进入角色，不是为了形式而形式。你的作品一定要整体、统一，先往极端黑白里走，充分归纳画面。

　　▲王文昌作品

　　李老师：王文昌在归纳黑白的时候总是无法简化人物的外形，特别是外轮廓、衣褶这些地方。画面语言是纯黑白的基调，但对象的外形始终无法与之相匹配。

　　▲王文昌作品（←向左滑动观看原照片与作品的对比）

　　王老师：对。在黑白灰的逻辑下，你要主动地安排、布局黑白，这就是画面黑白的自觉。所以，画面中人物形象要有画面意识，这是版画家以及现代画家必须具备的能力。

　　就目前来看，你们要有三个阶段，第一就是简洁的黑白，不要怕像谁。作为练习来说，我们不要求运动员展现不同的个性化姿势，练短跑的，我们只要求他跑得快；练搏击的，只要求他打得好，不在乎姿势好不好看。但第二阶段就要有自己的风格，像篮球、足球明星，他们的一举一动、着装、发型，都会成为热点，这时候就要有辨识性。你们一开始不要追求辨识性，先把基础练好。那么下一阶段的灰色练习，就要求大家有辨识度。最后的第三个阶段大家就可以自由发挥，想尽办法把前面的积累用上，表达不同的内容。那么，你们既有很高的黑白水准又有足够的辨识度。

　　王子申：我觉得可能想得有点多了，把黑白当做程序化的事情了，不够自由，忽视了画面的黑白美感，就缺少绘画性。目前还处在填色块的意识中，过于依赖客观形。后面的练习，我要不停地调整黑白灰，要把它当作画面来思考。

　　▲王子申作品

　　王老师：你意识到了模仿所造成的问题，你怕犯错，过于小心翼翼。“将错就错”就是反模仿的理论，从局部开始，画的时候，你的上一笔决定了下一笔，偶然的错误不要去修改，你跟着这个形继续延展。既要继续观察对象，也不完全模仿对象。你也可以深入局部，但要考虑画面之间的关系。就比如我们讲话，可能并没有预设讲什么，但是一句话会引发下一句话，就知道要讲什么，要表达什么。我们的画面要注重感觉，我认为要从画面舒服的角度判断。但不舒服的地方也不要急于否定，你要改变其它地方使它舒服，让画面均衡。就像我们走路，站着是一个平衡，往前走，身体发生偏移，就会失衡，这时你就要踏出另一只脚让身体保持平衡。失衡是错误，但下一个动作会重新回到平衡，画面就是这样。画家安排画面黑白的方式就像作曲家编排音符。你不要想太多，你是画面的主人。画画是不允许有人在旁边指手画脚的，即便是老师，也不能从头至尾控制你怎么画，你的感觉是很重要的。走路摔倒就是“错”，但只是说这一步破坏了原来的“对”，必须将“错”就错，重新找到中心点。这就黑白转换的过程，一直往前推进。但如果是提前做好设定，你就会习惯于固定的黑白灰模式，你就走不远了。毕加索的作品，每一张都在变。照着对象画，只有一个标准。毕加索不是，画的都跟对象不一样，虽然也有模特，这个模特只是他感受力的客观来源，他对对象的情感就能通过形反映出来。写实就没有这些东西，永远是准与不准，没有情感，你们要体会这些。

　　当我们意识到画面黑白的区域划分后，很多同学会犯一个错误，就是将这样的划分固定不动。这样的误区会造成黑白的模式化，阻碍自己达到黑白的自觉。要知道，黑白转换训练是让大家从客观形进入到主观形，如果你的黑白意识被固化了，就无法冲破客观形。

　　刘梓轩：我画黑白有些迷茫，归纳不够彻底，有时候会受灰调子的装饰性花纹影响。比较好的是，现在看自己以前的画，就能理解为什么画面不好，因为没有归纳。

　　▲刘梓轩作品

　　王老师：我们有时候对自己的画存在不喜欢的情况，包括我自己也有这个阶段性情况。我们要的东西是很抽象的，具体是什么，我们不清楚，就会不认可它。但是它又是一种动力，我们有期待，这是正常的心理。如何锁定我们的快乐？要有一个坐标！就好像买一斤东西，服务员多给了，我们就觉得很慷慨，这种快乐来源于超出自己原本需求的量。我的意思是，你要跟自己之前的画作对比，昨天是一斤，今天是一斤半，知道你在进步，这就是快乐。但我们一看前面没有岸，就会立刻陷入绝望。所以，我们的痛苦是因为不知道前方在哪里，这时就要看自己的过去，看自己走过的地方，为自己的进步而感到高兴，锁定快乐。往回看，不要有目的性、功利性，就没有焦虑。把你的成就当做小岛、小船，调整状态继续向前，未来就是可期的。02

　　第二讲

　　当纯黑白训练完成之后，灰色的练习成为新一阶段的课程内容。但灰色的使用要控制在1-2种以内，以免学生无法驾驭画面。在黑白画中，灰色先从纯黑白的线条中来，慢慢增加变成色块，是一个由线到面的转换过程。我们可以从对象的复杂外形、装饰性图案、肌理质地以及结构特征中寻找灰色的可能性，要想控制好灰色，概括思维和抽象思维是不可或缺的。

　　课前闲聊

　　王老师：经过这几周的黑白转换学习，大家都有什么感触呢？

　　王子申：我目前对黑白有了一些认识，但这段时间开始加入灰色，遇到了很多新问题。后面的学习，等问题都解决了，我想往创作方向走。

　　王老师：黑白转换其实也是一门技术课程、知识的课程，是为创作服务的。你的计划很好，我们今后的创作都需要用到黑白知识。我们以前的黑白转换课没有进行相关的技术应用，今年我建议大家都试试。

　　刘梓轩：我画了一周半，感觉比之前的状态好很多，有一种在往前推进的状态。目前画面的灰层次更多了，在稳定的往前走，已经从迷茫的状态里出来了。昨天还尝试了新材料。

　　王老师：能处理好灰色很关键，一会儿我们再具体看画。如果你的黑白取得了进展，剩下的时间建议你进入到创作中去。这样的技术学习、知识学习，能为以后的毕业创作找到新线路。技术不仅仅是制版，也包括思维方法。

　　沈秋杉：我们在大二的版画基础课上，就没想到画面的黑白关系。经过这段时间的课程我知道了很多，尤其是最近我看了夏加尔的展览，就会自觉地从黑白角度去观看，更懂得大师的艺术价值了。

　　Marc Chagall - Fables de la Fontaine : Le lièvre et les grenouilles

　　Marc Chagall - Le fou qui vend la sagesse, 1952

　　王老师：我们开始看画是用某种固定的书本知识，当我们学了黑白转换，就清楚大师如何处理画面的黑白关系，这就是文化的观看。他们对黑白的处理，不仅是写实的、模仿的，实际上也是带有很强的个人性。大师的出现经得起各种分析和推敲，观众会从各种角度去判断，你的知识储备不同，你看到的东西就不同。

　　Pablo Picasso , Minotauromachy ， 1935

　　Pablo Picasso. Gallina con polluelos, 1941-1942. Grabado, 36 x 28 cm

　　胡雯迪：我之前画的黑白比较少，画面很容易花。现在更有头绪了，黑白的感觉更好了。现在要面对新的学习任务，也就是灰色的处理，但加了灰色之后就不像之前的纯黑白那样好控制了。

　　王老师：你画纯黑白的时候的确很不错，加了灰色就控制不好了，这是正常现象。你要知道我们的学习是一个递进过程，它有正面的、负面的，也有中间状态。无论什么状态只有在实践中才会出现，但它不是终极审判。所以，学习过程不要在意结果，它无法逆转，但过程可以试错，对错是辩证的。你知道自己的问题所在，是一件好事。生病了，被及时发现、救治是好事，没被发现，暴病而亡就是坏事。画画也一样，遇到问题了，像更高的阶段前进就对了。

　　陈志君：对于您说的这个问题，我是很有体会的。我画画就是跌跌撞撞，老师一说问题我就改了，一不说，我又出问题了，立刻去改正，这是一个反复纠错的过程。

　　王老师：有两种教育，一个是应试教育，一个是素质教育。素质教育的过程不重要，最后的考试最重要，因为要升学，需要成绩。应试教育处处都在考试，在乎过程中的点点滴滴，都需要具体的分数来评判，这样的机械化训练把人的创造力限制了。国外的教学没有精确的分数，只有成绩的大致分类。当然，两种教育模式都有各自的优缺点，就艺术教育来说，它有自身的特殊性，那就是没有唯一标准。但我们的课程是有内在规范的，虽不能用语言给予精确的描述，比如黑白转换，好的黑白都是有感觉的，能从视觉上分辨出来。视觉的好坏是相对的，因此，不要怕出错。一个事情在这个角度是坏的，在另一个角度就是好的，好坏没有绝对。

　　刁安格：我的问题是画得太紧了，理性更多，主观性太少，应该放松一下。我就走不出失衡的第一步，总想客观模仿对象。

　　陈智峰：我也遇到同样的问题，就是在用马克笔、钢笔时，形特别拘谨。后来加入灰色以后，越往后面就越素描化了。

　　王老师：这就是你们学习的收获，你们知道问题出在哪里。再现客观物体就是素描，超越它，你才能获得黑白的自由。

　　单良：经过一个多月的学习感觉整个过程非常有体系。我之前在法国留学，那边对于艺术生只是从材料、观念中解决问题。法国艺术课程没有分的很细，要么是造型，要么是设计，三年级就跟导师学习，他也不会管你，老师只是根据你的想法来判断材料是否合理、作品是否成立。回国之后，我觉得之前的学习少了很多东西。经过黑白转换学习，再回看自己以前的作品，就发现很多问题。

　　王老师：这就证明你在这门课上收获很多。接下来，我们看一下画吧！

　　王子申：这段时间我进行了两个方向的练习，一个是创作，另一个是灰色训练，对一个图像进行不同色调的置换。

　　▲王子申作品（←向左滑动观看原照片与作品的对比）

　　▲王子申作品

　　▲王子申作品（←向左滑动观看原照片与作品的对比）

　　▲王子申作品

　　王老师：衣服的图案、固有色，这是灰色的使用角度。你的形稍微差一点，黑白还不错。你这几张已经逐渐脱离照片了。

　　李老师：王子申受到了瓦洛东的启发，主动利用客观图像中的纹饰，但还是摆脱不了客观形的限制，虽然在概括，但没抓住对象的造型特征。色块意识有了，形的意识没建立起来。

　　王子申：还画了一些老家的房子，地面太复杂，我主观地改动了它。原照片很丰富，不知道我这样处理是否简单？

　　▲王子申作品

　　王老师：这么普通的景物，经过你的黑白处理就很现代。你要知道，简化是一个方向，丰富是另一个方向，就是不能照抄。画面必须被重新编排，好比是建筑师造房子，同样都是砖头、木材、钢精水泥，不同的建筑师会有不同的建筑成果。这就是模仿和创造的区别！我们学习语言也一样，相同的字词储备，散文、小说的用法和组合方式肯定不同。绘画也是如此，要懂得掌握它的创造方式，这就是画家的伦理观，最终你想要什么效果就有什么效果。

　　这个阶段的灰色训练不仅要让学生控制好灰色的复杂度，也要给予他们主动意识。画面由原来的纯黑白两色变成黑白灰三色，层次多了，就更要注意层次之间的关系。一张照片，如果按照既定的黑白布局不一定能达到最佳的构成效果，除非你在拍摄的时候有意强化构成感。那么，对于混乱的照片，就要发挥我们的主观意识。在以黑白为主的画面中，灰色作为新色块起到辅助画面节奏的作用，它不一定在既定的客观位置上，这就需要我们对此进行重新编排。

　　▲王子申作品

　　回到你的画面，你可以做的更复杂，同一个构图可以做多种变化，太丰富了就找中间地带，根据三张画再添补不同的中间色调。如果把画面色调分成10个等级，你目前是在走色调的极端，而没有考虑中间的变化。那么，你可以在1和5的色调之间找3，在5和10的色调中找7。通过这样的自我训练，你可以找到跟自己感觉更精准的色调。在一个坐标中进行色调的实验和探讨，这也是“三十二刻”的方式。之后再更换题材，重复这样的练习，整个过程是自由的，帮助你把最敏锐的感觉抓到。

　　对于一幅黑白作品，外行看内容，内行看技术，看黑白的布局。每个画家都有自己的色调风格，克林姆特的油画很好看，就是使用了丰富的灰色，利用各种图案、纹饰、金箔等元素制造灰色，并把平面手法和写实手法结合在一起，这就是他的语法。实际上，这些都是规律性的东西，中国和西方的教育都没有，是我提炼出来的，你用这个角度就能读懂大师。

　　毕加索那么多画，一辈子都在训练自己，每张画都是结果，所有的画放在一起就是过程。中国画家是从草图到结果，没有中间的创造性过程。今天我们有照相机了，连基本的造型感受都没有了，直接拿来照片来模仿，没有对形象的创造过程。但版画通过完整的、系统的转换训练就经历了创造的思维训练，你就能获得了自由。

　　刘梓轩：我这段时间的训练就是把灰色层次用进来，让画面变亮一些。但有时候就发现画面不统一，尤其是灰色很多的时候，特别难控制。

　　▲刘梓轩作品

　　王老师：有的灰层次稍微有点割裂，也就是黑白的冲突和灰色细腻感之间的矛盾，但大部分都很好。其实你可以利用这种难受，有的画就需要这种感觉，比如那种极端的作品。某张画面出现问题，下一张就调整它，修正它，调到最恰当的黑白灰，色调关系就越来越精准。这种精准，不是为了内容。创作就是为了内容，选定一种手法进行，不同的人用不同手法去传达，我们的主题性创作就是这个类型。还有那些用世界语言讲述中国故事的作品，宣传画、商业绘画也是这类。但无论如何艺术家必须要有自己的语言。

　　▲刘梓轩作品

　　李老师：刘梓轩对画面挺有感觉的，她有很强的色块意识，只是灰色的细腻笔法和大块黑白之间存在很明显的不协调感。她用的笔法很多，大部分是基于客观对象的特性而制造的灰色，也就是说，她没有把笔触从客观感念中摆脱出来，也没有把它转换成抽象节奏。

　　▲刘梓轩作品

　　王老师：这些作品就很好了。早期是出现一些错误，但这都是尝试，在此过程中不一定每张都好，这很正常。不好的几张画就是灰色就失控了，如果把画面比作语句，那就是比较语言比较琐碎，虽然句子很丰富。这时你必须减少灰层次，直到出现最恰当的画面。画面的灰色元素就是你的句子，原来你是10个层次，现在减到5个层次，下一步就要找1-5之间寻找3，等掌握之后再增加一个灰色。灰色层次越少，你就越能很好的控制。所以，你的层次不要太复杂。你可以在纯黑白里面加一种灰色，只有一个，最多两个，让灰色和黑白产生的关联。你的形没问题，但你的灰色就显得突兀，琐碎，线条太细了，和整个画面不协调，增加2倍的粗度就合适了，这就是画面的抽象节奏。要把握好彼此之间的色距，每个色块的面积是多少很重要。

　　画面的抽象节奏就是各元素之间的关系，同样是线条，它的粗细、形状、动态、质感都跟画面基调相关。因此，灰色不仅要考虑面积大小，还要考虑组成灰色的元素是否统一于画面。点也是，大点和小点同样都能组成灰色，但只有一种最符合画面基调。

　　▲刘梓轩作品

　　王老师：你看这张画，衣服只有一种灰色，就好经营，你的尝试是对的。黑白你能做的很好，就是不好控制灰色。色块和线条首先要和谐，把大色块变成小色块，最后这些元素组成不同层次的灰色，慢慢去驾驭它。现在我发现大家毕业创作总是用不好黑白知识，是因为驾驭灰色的能力不够。以前的版画家，画面就没有灰色，只有黑白。我当年《贵州人》出来之后，他们就不接受，认为大黑大白才是版画的正宗。

　　沈秋杉：我还是延续之前的建筑题材，这次增加了灰色，主要利用了一些线性元素，画起来比较顺手。

　　▲沈秋杉作品（←向左滑动观看原照片与作品的对比）

　　▲沈秋杉作品

　　▲沈秋杉作品（←向左滑动观看原照片与作品的对比）

　　王老师：你现在灰色运用得挺好，黑白色块加线性的灰色，语言是协调的，可以继续往下做。你没有很复杂的灰色，画面就好控制。色块面积不同，灰色疏密不同，节奏把握的很好。你已经可以用这个手法表达自己的建筑内容了，将来做彩色版花也很有条件，因为你的色块意识很强。我建议你之后的练习可以再增加一些灰层次，中间这个灰色的阶段很重要，太丰富就会成为素描，所以在增加灰色的时候一定要注意限度。

　　▲沈秋杉作品

　　李老师：沈秋杉之前的纯黑白练习就稳定，这次她利用白线在黑色块里面分出重灰，利用黑线在白色块里面分出浅灰，并且这些线条都是客观形的转化，手法很巧妙，既能增加画面层次，又保持很稳定的画面结构。

　　胡雯迪：纯黑白我已经能掌握了，但在画面中增加灰色，有的画面就乱了、花了，是自己对灰色的控制力不够。这段时间我一直在纠正这个问题。

　　▲胡雯迪作品（←向左滑动观看原照片与作品的对比）

　　▲胡雯迪作品

　　▲胡雯迪作品（←向左滑动观看原照片与作品的对比）

　　▲胡雯迪作品

　　王老师：纯黑白你是没问题了，画得很好。有的作品线条和色块不协调，这是工具不一致导致的，就好比木刻刀形。还有就是黑白色块的平面感和立体感之间的矛盾，语言要协调，线条的气质要统一。大色块、小色快、黑色、灰色、深灰色，一定要注意它们之间的衔接，需要你重新组织画面。你自己也注意到画面的花乱，因为里面缺少更整的东西，有些元素还要进一步概括。同样，简化后的线条美感也很重要。你形感很好，简化概括之后，画面就走向平面化。你善于利用植物的树叶、图案来构成灰色，这很巧妙。但是你目前还处在对象的固有色中，不要去模仿它，要主动处理黑白，重新布局灰色。

　　王文昌：我感觉灰色也有脱节的现象，但整个训练过程是愉快的。

　　▲王文昌作品

　　▲王文昌作品（←向左滑动观看原照片与作品的对比）

　　▲王文昌作品

　　▲王文昌作品（←向左滑动观看原照片与作品的对比）

　　▲王文昌作品

　　王老师：纯黑白你已经掌握得很好了。你一定要把灰色看成和黑白平行的色块。线条能组成灰色，但你的线条只是当做黑白之间的过渡，没有色块意识。我们现在的灰色要求是色块，要求和黑白一起当做一个抽象元素，彼此之间是一个有机的关联。这是你要注意的问题。

　　刁安格：我最近也在进行灰色练习，和前面几个同学一样，一加灰色就容易让画面失控。

　　▲刁安格作品

　　王：对画的分析很重要，当我们遇到好的效果，我们会给予肯定。你现在的灰色是素描式的，但这些我们用不上。你概括黑白就会遇到瓦洛东，你回到写实你就会遇到珂勒惠支，然而他们中间有无数的可能性。但有的人在此写实线路之外，比如毕加索，他画公牛，不是在模仿对象，而是创造了另一种表现方式，非写实的表现方式。那么，在写实路线上，米勒启发了梵高，梵高在此基础上又出现新的语言，这是一个演化过程，这个过程是多变的、有很多可能性的。如果你们不经过极端的黑白概括，那起点永远是素描，终点也是素描，是模仿的，不是创造的。起点和终点都在照片上，那写实绘画就会进入死循环。我们从写实到黑白转换，将自然的形变成艺术的形，因此当你往下走，使用灰色时，不要一下又回到素描，你缺失其中的递进式灰色练习。当你懂得其中的转换思路后，再画写实就完全不一样了，你的画面就有独特的黑白灰经营。比如弗洛伊德，他作品从黑白灰角度看，有很明显的构成关系。当我们模仿弗洛伊德时，只会模仿他的笔触、结构式造型，于是你被锁定了，你就不可能超越弗洛伊德，不会让自己从中得到语言的推进。你突然理解成灰色是素描的，那将自己置入终点的境地，也就结束了。

　　灰色是经营出来的，用什么方式去表现，需要艺术家立足于画面自身，任何脱离画面谈灰色的方式都是错误的。学习黑白转换必然要经历这样一个过程：从概括中获得画面的主动性，再从重组中获得语言的独立性。前者解决客观性问题，后者解决创造性问题，是一个循序渐进的过程。

　　一个好画家有遥不可及的东西，就是对色调的驾驭，比如莫兰迪。好画家的样式别人只能模仿，如果你没有掌握它内在的奥秘就只能知其表面。那就有人说我不学了，可以吗？我天生就会画画，不用学，可以吗？那你也只是儿童画，走稚拙风，但你的想象力会更窄，因为那个风格大同小异，是生理决定的。实际上，知识多了不是有害，而是你没学通，误入歧途就有害，反而比不上文盲的本能，更没有他们的感觉，此时儿童画家的真实和稚拙就能打败你。03

　　第三讲

　　在最后1周，课程要求学生逐渐增加灰色层次，由原先的1-2种灰色增加到3种甚至更多。这里有两个教学目的，一个是通过灰色的丰富性激发学生的个性，如何从画面中寻找不同的灰色，如何利用手中的工具制造不同灰色，这就需要他们具备更强的创造力和转换思维；另一个目的就是衔接之后的创作，丰富的、复杂的灰色是今后创作不可或缺的画面语言，必须要发挥黑白转换的全部价值。

　　李老师：这一周大家都进入了多种灰色练习，有的人在材料上有了新手段。为了能更好的把握灰色，进行了对一个图像的多色调练习，因为再复杂的灰色都是由最基本的黑白灰框架演变成的。

　　王老师：同一个构图的训练，是“三十二刻”的思路，在限定中展开，每一张画都以前一张画为起点，这门课已经有二十多年的历史，在中国也是唯一一个成系统的课程。在西方，这种训练从梵高那个时代就开始了，比如他的色彩变调。我发现这些现代主义大师都懂这个方法，毕加索对此做了一生的练习，还有莫兰迪，同一个题材变了一辈子。这在历史上是没有的，到了现代主义才有。为什么？因为照相机在那个时期出现了，绘画模仿自然的职能被冲击了，那么画家寻找新出路的方式就是反写实，从哪开始呢？就从写实开始，慢慢往后变。以前我们做创作的方式是一个草图对应一个完整的结果，再画出来。我不这么做，直接在板子上刻，每一张都在变，就发明了这个训练方式，它跟传统的方式完全不同。回头看我们的版画教学历史，一直没有这样的练习。但西方就是这么干的，这样的训练很有效。

　　王子申：我尝试了毛笔，发现不是很适应。然后我改变了思路，为了增加黑白的层次，用一个构图反复填加灰色。题材上选择了校园生活，跟我自己很贴近。但我有个误区，就是灰色用多了就往装饰性上靠，感觉缺少一些绘画性。

　　▲王子申作品

　　王老师：你的黑白灰编排不是很好，白色很孤立，没有形成一个画面关系。小的局部黑白灰之间的面积比例也没有注意，这跟你第一张的构图有关。当你用曲线的时候没有之前的直线效果好，你的曲线太自然了，跟很多插图设计很像，这是传统的思路。在简化过程中，几何思维是很重要的，是现代和传统的分水岭，它更现代。曲线是自然形，是传统的，传统是模仿自然，现代则是理性的、概括的。现代艺术也有曲线，但它是经过处理的、非自然的，比如扎哈，她的建筑有曲线，却不是自然的曲线，是带有几何形的曲线。因此，她的风格很鲜明，一看就不是象形的建筑。

　　这些练习都非常好。我们跟设计不同，我们是在画面色调关系中思考，不是头脑的结果，而是感觉的结果。过程中的尝试会有高低之分，这是正常的。对于灰色你不要过早进入太细小的色块，要给自己一个渐变过程，一步一个台阶。

　　▲王子申作品

　　你们都经历了简化的训练，再往后就成纯白画面了，这是极简主义的逻辑。这不是偶然的，是艺术史的逻辑，对于当时的艺术家来说这是需要勇气的，很多人走不到那里就回来了，而且还要有一个环境，在美国就能接受，是众望所归的，包括装置艺术。当这个东西变成事实后，就会影响、引领一批人。设计师不会走到这个领域，因为它讲求实用性。我们和设计不一样，是纯抽象的练习，黑白逻辑的练习，不为任何人服务。这是训练的重要性，艺术的意义所在，那么，当你掌握它之后，再回到功能性，就更不一样了。所以，艺术始终是充满创造力的，它可以为被实用性限定的设计提供资源。但是走在前沿的设计就不一样，它不为功能性，跟绘画一样变成抽象的逻辑，反过来影响社会。

　　▲王子申作品

　　李老师：我感觉王子申的形感不够好，在色调置换的过程中，应该体会它在画面中的律动，这可能是他在运用iPad进行复制粘贴导致的，就像王老师说的，第一张出现问题，后面一直会存在问题。iPad是很便捷的工具，但人容易因为这种便捷性而丧失一部分感觉。

　　刘梓轩：这些画有的是比较早的练习，我后来用了灰色马克笔，但也是从色块角度出发。当我对这个新材料慢慢适应后，就一直延续在画面中，就以小孩为主题画了一批作品。

　　▲刘梓轩作品

　　▲刘梓轩作品（←向左滑动观看原照片与作品的对比）

　　▲刘梓轩作品

　　王老师：画的很有感觉，对色块的构成意识很强，画得不错！颜色、形、线条组织在一起，就像穿衣服一样，是否合身，是否符合自己的心情，这不完全是脑子的设计，也有感觉的参与，它是抽象的。但你的形有一点普通，个性不够，可能是你没有观察过孩子，没有这方面的经历。所以这些普通形与你画面中不普通的色调、构成之间产生了不协调。写实的形要符合客观的体，比如伦勃朗、杜米埃、戈雅、丢勒，都不概念。这些客观形需要仔细观察对象、感受对象，画家的高低就能从中体现出来。另一个是主观形、精神形，比如现代主义画家克林姆特、席勒等等，这样的形都非常具有个性。

　　多数人在考虑色块的时候就容易忽视形的感受，这里面有功利主义的成分，急于想获得一个画面结果，这个结果是自己设计好的。因此，在色块意识的同时，也要让学生知道外形的重要性，尤其是简化概括的语言，形和色块是同步进行的。

　　沈秋杉：我在画的时候出现很多波折，尤其是灰色的介入，后来慢慢掌握方法了，但课程也快结束了，所以之后还要继续练习。题材和以前相比增加了人物，就是想找一些新的可能性。

　　▲沈秋杉作品

　　王老师：这个课就像锻炼，每天都去健身房，你掌握方法了，就不要停止训练。当你们做创作时，画面黑白一旦出问题就单独练习。一定要注意画面是由几个部分构成的。我说的是构成，不是构图，它们是有区别的，写实是构图，非写实是构成，任何东西都是画面的一个元素。这些方法要用到今后创作中，任何技术都是用来表达的。我们学院派的问题是为了形式而形式，为了效果而效果。所以你们不一样，很自觉，有意识的去做创作。目前来看，你们的进步都很清晰，黑白意识在进步。

　　胡雯迪：我把之前的画改了一下，然后又找到了新题材，就是以植物和人物为主的作品。

　　▲胡雯迪作品

　　王老师：你画的很概括，可以多画一点这个题材，慢慢要找到自己喜欢的东西。我们毕业班之前不知道自己喜欢什么，题材换来换去，只想得到表扬和承认。我们要拿自己好的东西供别人挑选，前提是必须要有自己的风格，在内容上要找到自己的亮点。你画面中有几个内容很好，女孩、植物、房间，你可以有意识地去组合这几个素材，形成不同的画面。要明白自己画什么，为什么要这样画，慢慢某个东西在外人看来就是你的识别性，但你自己明白这一种关乎个人品行的自然产物。

　　▲胡雯迪作品

　　李老师：雯迪在训练过程中一直有几个固定的画面元素，比如自己的肖像、植物等等。后期她逐渐找到自己喜欢的主题，作为观众能明显地感觉到她自己跟作品之间有着某种联系，无论是气质还是情感，都很有识别性。王老师说的很对，你应该继续这个题材。

　　王老师：今天的信息很复杂，很多时候我们会消失掉。人和世界的关系是双向的，我们在不断地学习，也在不断地被改变、被影响，因为你所处的环境每天都在改变，你每天都会对此有反应，以此产生个体差异。同样是黑白转换训练，但是你们的结果都不同，这是双向的力量使然。成功的教学不是封闭的，封闭的教学，学生有自我，很独立，有的教学虽然很开放但没有自我，会随时被环境改变，看起来很前沿，与时俱进。这两种情况都有问题，某些所谓开放教学下的人，是容易得到承认，他们直接跟进环境，但潮流一过就会被淘汰。传统教学下的人，没有自己，只有传统，不被环境影响，但那不是自己。厉害的人永远都会把外部的东西当作自己的养料，利用它，不会失去自己，你能力强甚至就可以改变环境。好的画家、教育家也是如此，不仅自己能独立，还能带动别人，改造环境，不会跟着潮流跑。你的开放性是建立在自己的坚定性上，要有自己的本性，既能适应环境，也不会让自己消失。

　　刁安格：我发现自己一直都在客观形上徘徊，找不到自己的精神形。

　　▲刁安格作品

　　?▲刁安格作品

　　▲刁安格作品

　　王老师：没关系，精神是建立在客观形上的。有的画家专门画某个题材，比如画西藏人，只有那个形象的骨感、方形才能体现特有的精神形。因此，写实画家会从内容、色彩、技法上寻找精神形。但有时候批评家很随意批评一个画家该画什么，这是不道德的！画家的选择和自己的精神相关，他有自己的生命观，你不能否定他。从功利主义角度否定一个画家，是错误的！没有个人、没有个性是没有价值的。老师如果是狭隘的，他不喜欢写实，你就会被骂，进而改变创作方向。在这方面你是真实的，但你要注意如何选择素材。选择别人的照片，作为练习是可以的，但在另一方面你也是偷懒的，这会成为习惯，也会遇到很多问题，因为你忽视了自己的生活，这些材料和素材无法替代的。如果我们的练习大量取自别人的照片，就没有机会展露自己。

　　王文昌：感觉我的手法很像麦绥莱勒，所以专门研究了这个艺术家。题材上利用了照片，并做了构图的重新编排。

　　▲王文昌作品

　　王老师：在这类处理手法中，你的精神形是有的，客观形也有，只是你的内容要跟自己的相关。麦绥莱勒也没有你们的自由，那个年代，从写实发展到主观形之后就停手了，直接用这个手法开始创作，毕加索除外。你用别人的语言研究别人也可以，不需要改变这个手法，但你要在内容上有原创。大家不要把艺术想的特别玄，王朔就是表现自己的生活，张艺谋的《红高粱》、姜文的《阳光灿烂的日子》，他们最好的作品都和自己的生活经历相关，你们画画也是如此。

　　单良Shan Liang

　　单良：我一直在用像素语言训练黑白，感觉孩子的形体更符合像素，所以在题材上就固定下来。这种材料也很特殊，画细节就要把像素调小，但有会缺失像素的特点。

　　▲单良作品

　　王老师：首先你的黑白没问题，而且像素手法产生的形挺生动。这是电脑语言，你如何有自己的特点很关键，目前你做得还不错，是可以的。但像素手法是有限度的，就像抽象画，你变来变去都是那个样式，比如罗斯科、波洛克，他们成功之后就自我重复。这是艺术语言自身的问题，另外，艺术家自己也会被环境捆绑，艺术市场不让他变，荣誉不让他变。张晓刚、岳敏君也是，市场不让他变，虽然画家自己想变，但商业不允许。毕加索就不会，他看得很透。所以，不要太在意外界的东西，要跟自己的内心走，技法到了高峰就结束它，像素再好能好到哪里去？

　　陈智峰Chen Zhifeng

　　陈智峰：在这一阶段的练习中，我强化了构成感。根据画面的需要来调整黑白灰的布局，后期往平面化方向走了。用照片的时候，一旦感觉不好，就改造它，通过换光源、换角度做各种画面尝试。

　　▲陈智峰作品

　　王老师：你的画面很独特，造型和用光是你的优势，要保持这两个特点。一旦画面被平面化后，这些特点就消失了。你的光线和造型还可以继续深化，就在同一张画中进行，可以画得更复杂一些。要在画面的可能性向前上延展，而不是在内容上有变化。因为你跟其他人不一样，他们是有语言特点的，你现在的语言特点还没成型，所以不用急于更改内容。有的画是往简化里走，你是要往丰富里走，跟形象、跟光有关。

　　这些年我一直在提倡绘画，绘画在前几十年不断被贬低，优秀的人不画画了，普通人更不画了，完全是环境不支持，理论家不支持，导致版画系有很多年找不到真正意义上的版画，我们把自己的长项都弄丢了。要知道，我们的学院系统属于传统类型，有绘画本体的标准，从考前就这么干了。西方现在画不过我们，没有前面的基础体系，黑白训练也没有，全靠自己抓药，而他们的美院教授也不是医生。但在我们这里，老师有完整的训练方法。我自己就是现代和传统的综合体，观念作品也有，只是比重很小，因为观念不需要传统，是反绘画的，反艺术的，一切都变得不重要。

　　我们需要自己有这个能力，就像水源一样，它可以输入到任何地方。版画家抽象思维的建立可以接续任何对象，数码来了，接数码，多媒体来了就接多媒体，我们自身的能力就是水源。

　　黑白转换，很多同学走的很远，从客观写实走到形式自律，从再现性走到艺术性，从传统走到现代，从公共型走到个人型。这就为后面的“三十二刻”打下坚实的思维基础。我们的课程是相互关联的，你们在基础部的素描风格几乎都一样，现在大家画得都不一样，这是课程的结果，这样的教学是有效的。

　　图文编辑：李军

　　页面排版：李军

　　央美版画三工